345 “Virus tropical” (Santiago Caicedo, Col/Ecu, 2017) * animazione - disegni e storia originale di PowerPaola  *  IMDb 7,0 RT 93% - Nomination Orso di Cristallo a Berlino
Dopo aver guardato qualche giorno fa l'insolito (per il pubblico europeo-nordamericano) "Vampiros en La Havana" (Juan Padrón, 1985), arguto e divertente nonostante i limiti tecnici della grafica dell'epoca, eccomi ad un altro film d'animazione latino, stavolta recente e derivato da una graphic novel. Anche il soggetto è insolito in quanto è in buona parte un'autobiografia della disegnatrice PowerPaola (pseudonimo di Paola Andrea Gaviria Silguero) nata a Quito (Ecuador), cresciuta in Colombia dove ha studiato e infine formatasi artisticamente fra Sydney, Parigi, San Salvador, Bogota e ora vive a Buenos Aires.
Ci narra con grande sarcasmo e ironia della sua singolare famiglia e della sua vita dal concepimento (nel vero senso della parola ... si vede lo spermatozoo che sulla carta non aveva nessuna chance di arrivare dove invece arrivò) all’infanzia in una famiglia di donne (madre veggente, 2 sorelle e governante tuttofare, il padre ex-sacerdote poco presente), alle rivalità con le sorelle, ai problemi scolastici, ai primi innamoramenti, al cambio di paese e ambiente (dall’Ecuador alla Colombia), e infine al sesso e all’indipendenza non ancora maggiorenne.
Chiaramente è tutto narrato da un punto di vista molto femminile, con ricordi e percezioni di una bambina-ragazzina-adolescente nel corso della crescita. Certo, se i personaggi reali sono effettivamente simili a quelli mostrati, non saranno stati tutti felicissimi di conoscere l'opinione che la ragazza ha di loro e dei ricordi che conserva, in particolare la nonna materna.
Divertente la descrizione del passaggio (a 13 anni) dalla tradizionalista scuola di Quito a quella più spregiudicata di Cali, molto poco (e mal) regolamentata, con conseguente cambio di linguaggio, vocabolario e accento, nonché la quasi indifferenza con la quale inizia a convivere con spaccio, alcool e sparatorie.
In conclusione, un altro film d'animazione per adulti e non certo per bambini.
Non eccezionale per i disegni (molto graphic e poco animati) ma certamente di grande intelligenza, sincerità e ironia, con tante situazioni che tanti hanno vissuto o comunque visto, certamente tutte plausibili, descritte senza peli sulla lingua.
Da non perdere.

344 “As boas maneiras” (Marco Dutra e Juliana Rojas, Bra, 2017) tit. int. “Good Manners“ * con Isabél Zuaa, Marjorie Estiano, Miguel Lobo  *  IMDb 7,0 RT 93%
Horror (del genere licantropia) ambientato nel moderno Brasile. Ci sono numerose idee abbastanza originali che ho trovato interessanti pur essendo ovviamente varianti dei temi classici (luna piena trasformazione in licantropo, luna piena, folla inferocita con torce e ogni tipo di arma), ma considerate che non sono né un esperto né un appassionato del settore specifico.
I rapporti fra i protagonisti sono singolari sia per come iniziano, sia per come si sviluppano e consolidano. Qualche personaggio di contorno ben ideato e varie sorprese completano il quadro di questo film di buon ritmo. Tuttavia, pur volendo sorvolare sugli scadenti effetti relativi alle trasformazioni umano-licantropo, la grave pecca resta il controsenso della "(s)conclusione", con quello che mi è apparso un sostanziale errore proprio nell'ultima scena, almeno non sono riuscito a trovare nessuna giustificazione plausibile, neanche nella logica horror trattandosi di un fatto pratico ... meccanico.
Se non siete troppo schizzinosi, può risultare divertente e con un po' di suspense.

343 “Monica e il desiderio” (Ingmar Bergman, Sve, 1953) tit. or. “Sommeren med Monika“ * con Harriet Andersson, Lars Ekborg, Dagmar Ebbesen  *  IMDb 7,6 RT 100%
Il più insulso film di Bergman che abbia mai visto ... così avevo iniziato, di getto, queste poche righe; dopo averci pensato un po' su e dopo aver cercato fra le recensioni qualche solido elemento che mi facesse cambiare opinione, la mia affermazione resta più o meno in essere. Pur volendo considerare l'epoca e le diversità culturali, i due protagonisti mi sembrano al limite del credibile, non tanto presi singolarmente quanto per la loro relazione di coppia.
Del classico Bergman dell’immaginario collettivo ho potuto apprezzare soprattutto le riprese esterne e la cura per le inquadrature , ma in quanto alla gestione della storia appare confusionario lasciando argomenti sospesi, non fornendo una buona percezione dello scorrere del tempo, proponendo scene d'azione assolutamente poco credibili nei modi e nelle motivazioni, non delineando a dovere personaggi che, pur apparendo in poche scene, hanno un ruolo importante nello sviluppo della trama. Si deve però dire che, al contrario di tanti altri suoi film, in questo caso la sceneggiatura non è sua, anche se pare vi abbia collaborato “uncredited”.
All’epoca fecero scalpore le scene di nudo della giovane Harriet Andersson (che sarebbe diventata una delle muse di Bergman) e ciò contribuì senz’altro a dare notorietà al film. Ho visto che alcuni esaltano questo film vedendolo quasi in stile Nouvelle Vague, altri lo apprezzano ma non lo inseriscono fra i migliori lavori del regista svedese, solo pochi dicono chiaramente che non è un granché ... io sono uno di questi ultimi.
Spesso penso che davanti a mostri sacri come Bergman, molti si convincono a priori della bontà dei loro film, senza concedere che anche i più grandi, per un qualunque motivo, possano sbagliare ... ma non è detto che questo sia uno di tali casi.
Pessimo il titolo italiano, la traduzione letterale è: “L’estate con Monica”.

342 “Terra estrangeira” (Walter Salles e Daniela Thomas, Bra/Por, 1995) tit. int. “Foreign Land” * con Fernanda Torres, Fernando Alves Pinto, Alexandre Borges  *  IMDb 7,6 RT 89%p
Insolito noir con qualche richiamo alla Nouvelle Vague, coproduzione brasiliana-portoghese che si svolge fra Sao Paulo e Lisbona, con attori di entrambe i paesi.
Ingegnoso intreccio di personaggi e situazioni fra emigrazione (non solo dal Brasile ma anche dall’Angola), contrabbando di pietre preziose e spaccio di droga, differenze culturali e relativi pregiudizi, musica. Il ritmo è sostenuto, i protagonisti si incontrano e si ritrovano in modi più o meno fortuiti in un vorticoso susseguirsi di eventi. Più che buona la sceneggiatura, non tutti convincenti gli attori.
Singolare la scelta del bianco e nero che tuttavia esalta i particolari ambienti portoghesi, dalle ruas de Alfama allo spettacolare Cabo Espichel con l’enorme Santuário de Nossa Senhora de Pedra Mua, che si erge in mezzo al nulla (la foto a colori è mia, come si intravede, dietro la chiesa ci sono pochi metri di terra desolata, la falesia e poi l'oceano).
Il film successivo di Walter Salles fu “Central do Brasil” (1998, 2 Nomination Oscar) e nel 2004 diresse “Diarios de motocicleta” (1 Oscar e 1 Nomination).
Ennesimo film poco conosciuto che vale senz’altro un’attenta visione.

341 “Morning for Osone Family” (Keisuke Kinoshita, Jap, 1946) tit. or. “Ôsone-ke no ashita“ * con Haruko Sugimura, Toshinosuke Nagao, Shin Tokudaiji  *  IMDb 7,0
Inutile ripetere per l'ennesima volta che Keisuke Kinoshita (maestro dei piani sequenza per quanto riguarda il cinema giapponese) fu regista di qualità pur non avendo (chissà perché) raggiunto la fama internazionale di Ozu, Mizoguchi o Kurosawa tanto per citare qualcuno dei suoi colleghi e compatrioti.
Questo è un altro suo ottimo film, seppur quasi di propaganda. Infatti, nel complesso è esplicitamente antibellico e fortemente critico nei confronti dei militari nazionalisti giapponesi che portarono il paese alla rovina.
Consigliato.

340 “La noche de 12 años” (Álvaro Brechner, Uru/Arg, 2018) * con Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort  *  IMDb 7,8 RT 100%  *  2 Premi a Berlino, Nomination a Venezia e San Sebastian
Film storico/biografico incentrato sulla detenzione di un gruppo di tupamaros (guerriglieri uruguayani degli anni ’70) fra i quali c’era anche José (Pepe) Mujica, che sarebbe poi stato Presidente dell’Uruguay dal 2010 al 2015.
Della dozzina di prigionieri politici sottoposti all'esperimento di mantenerli quanto più possibile in isolamento con l'obiettivo di farli impazzire, si seguono le vicende (il calvario) di tre di loro nel corso dei 12 anni di detenzione - da cui il titolo del film - prima della liberazione con il ritorno della democrazia: Eleuterio Fernández Huidobro, Ministro della Difesa durante la presidenza di José Mujica e anche dopo, fino alla morte (2016), Mauricio Rosencof, oggi drammaturgo, romanziere, poeta e giornalista, ministro della difesa, e il succitato Mujica, Ministro dell’Agricoltura (2005-08), presidente della Repubblica dell'Uruguay (2010-15) e oggi senatore dopo esserlo già stato dal 2000 al 2005.
Da ammirare, oltre alla fede nei loro ideali, la tempra di questi uomini ed in particolare quella di Pepe Mujica (oggi 83enne), sopravvissuto a diverse ferite da arma da fuoco, torture, oltre 15 anni di carcere complessivi, dei quali una dozzina in isolamento.
Penso sia importante precisare il motivo per il quale i capi tupamaros che "beneficiarono" di questo regime speciale non furono eliminati del tutto, o fatti sparire come tanti desaparecidos. Ufficialmente furono "ostaggi" nel senso che sarebbero stati tenuti in vita (e ogni tanto resi presentabili per incontri di propaganda) ma sarebbero stati uccisi nel momento in cui fosse ripresa l'attività di guerriglia.
Film ben costruito e ovviamente più che drammatico, rilevante per mostrare avvenimenti storici che è importante conoscere, almeno per sommi capi.

339 “Pororoca” (Constantin Popescu, Rom/Fra, 2017) tit. Am. lat. “La desaparición” * Bogdan Dumitrache, Iulia Lumânare, Constantin Dogioiu
IMDb 7,1 RT 100%
Buon thriller che a tratti ricorda due film di Farhadi, per alcuni versi "About Elly"(sparizione) per altri "The Salesman" persecuzione di un sospetto.
In questo caso si tratta dlla sparizione di una bambina di 5 anni da un parco pubblico, sfuggita per un attimo all’attenzione del padre. Ossessione, rabbia, frustrazione, voglia di giustizia/vendetta, disperazione, rimpianti, rivendicazioni, montano di scena in scena fino all’esplosiva conclusione. Purtroppo, questa escalation è descritta in troppi dettagli che in più punti diventano ripetitivi e (inutilmente, secondo me) portano la durata a oltre 2 ore e mezza.
Bravi i protagonisti, buona la regia che alterna totali fissi a camera a spalla, quasi soggettive a primi piani, ma, ripeto, peccato per l'eccessiva lunghezza.

338 “Incredibles 2” (Brad Bird, USA, 2018) * animazione  *  IMDb 8,0 RT 94%
Molto in breve, pur essendo annunciato da tanti all'altezza dell'ottimo originale, questo primo sequel (sospetto che ne seguiranno altri) mi ha abbastanza deluso. La pletora di nuovi supereroi (in ruoli pressoché marginali) non avvincono, le "mutazioni" del pur simpaticissimo bebè della famiglia Jack-Jack dopo poco risultano ripetitive.
Sequel inutile, se non per far soldi.

337 “American Animals” (Bart Layton, USA, 2018) * Spencer Reinhard, Warren Lipka, Eric Borsuk  *  IMDb IMDb 7,1 RT 88% - Nomination Grand Jury Sundance Festival
Storia vera di 4 giovani studenti di famiglie borghesi, secondo loro geniali (ma abbastanza incapaci nel campo criminale) che pianificano e mettono in atto quello che dovrebbe essere il solo colpo (perfetto) della loro vita.
In effetti il film è ben girato, con inquadrature e riprese singolari, e con un'alternanza opportunamente cadenzata fra interviste ai veri protagonisti e alle loro famiglie e scene risalenti all'epoca dei fatti (2004) ricostruite con attori.
Citazione esplicita di “Reservoir Dogs” (Quentin Tarantino, 1992) con i componenti della banda individuati per colori.
Si fa guardare per essere girato in modo originale e si stenta a credere che sia basato su avvenimenti incredibilmente veri.

336 “Leave No Trace” (Debra Granik, USA, 2018) * Thomasin McKenzie, Ben Foster, Jeffery Rifflard
Quelle che seguono sono considerazioni preliminari più che la solita mircorecensione, da prendere molto con le pinze in quanto non sono riuscito a guardare l'ultimo quarto d'ora del film per blocco insuperabile del file. Riproverò sul volo di ritorno ... aereo diverso, posto diverso, speriamo bene.
Visti i rating (100% su RT, 7,5 su IMDb, 83 metascore) mi aspettavo di meglio, la prima ora e mezza mi ha abbastanza deluso. Non sono riuscito a capire il senso delle scelte di vita dei protagonisti (padre e figlia) né il rifiuto del padre di concedere alcun miglioramento al loro situazione pur avendone la possibilità e incontrando persone più che disponibili ad aiutarli. Sembra che il genitore cerchi a tutti i costi una espiazione, complicandosi la vita e soffrendo inutilmente, oltretutto coinvolgendo la figlia che appare del tutto plagiata, soggiogata, pur essendoci un lampante, profondo legame affettivo fra i due. Al punto in cui si è interrotto il video il regista deve ancora chiarire agli spettatori (nel poco tempo rimasto) quali segreti e quali trascorsi hanno ridotto così il padre (rovinando anche la vita della figlia) e dovrà concludere la storia con un colpo di scena che potrà essere una separazione consensuale o forzata non pensando sia plausibile che i due possano continuare nella loro vita ai margini della società.
In quanto alla credibilità di quanto mostrato della loro vita nel bosco si possono sollevare parecchi dubbi e per alcune cose non riesco a trovare spiegazioni valide.
Spero di concludere la visione fra un paio di settimane per capire di più, per poi plaudire ad un eventuale coup de théâtre o confermare tutte le mie perplessità, aggiungendone probabilmente altre.
Bravi comunque gli attori, la maggior parte delle “colpe” le attribuisco alla sceneggiatura.

335 “The Rider” (Chloé Zhao, USA, 2018) * Brady Jandreau, Mooney, Tim Jandreau  *  IMDb IMDb 7,5 RT 97% Metascore 92
Film a metà strada fra fiction e documentario (vari protagonisti interpretano sé stessi) ambientato nel ristretto e particolare mondo dei rodei non professionali e addomesticatori/addestratori di cavalli selvaggi. Brady Jandreau interpreta Brady Blackburn, una promettente star dei rodei che a causa di un incidente di gara ha subito una grave ferita alla testa, con conseguenze molto limitanti per la sua attività (cosa capitata anche a lui).
“The Rider” approfondisce molto il lato umano mostrando i profondi legami del protagonista con la sorella autistica e con un giovane che in conseguenza di una caduta da cavallo è rimasto gravemente menomato per i danni cerebrali subiti, nonché i più difficili rapporti con il padre e l’infinito amore per i cavalli.
Secondo film della regista Chloé Zhao, nata in Cina e poi stabilitasi in USA dopo vari anni di studi a Londra. Anche il suo film d’esordio (“Songs My Brothers Taught Me”, 2015) era ambientato nel nord degli Stati Uniti, esattamente nella Pine Ridge Indian Reservation in South Dakota, e trattava dei rapporti fra fratello e sorella Lakota (nativi americani).
Entrambi hanno ricevuto notevole successo di critica.
Senz’altro da guardare, ma avrete già capito che a qualcuno potrà sembrare un po’ deprimente.

334 “¡Vampiros en La Habana!” (Juan Padrón, Cuba, 1985) * animazione  *  IMDb IMDb 7,0 RT 86%p
Insolito, divertente, ironico film d'animazione per adulti, ma non per essere a luci rosse (anche c’è del sesso quasi esplcito) bensì argutamente politico, storico, sociale. Si parla di guerre fra vampiri in senso lato - anche se tutti mostrano i classici lunghi canini sporgenti - con il gruppo di Chicago diretto da Al Tapone mentre quello di New York si chiama Capa Nostra, i componenti di quello tedesco hanno i baffetti alla Hitler, gli italiani la classica coppola siciliana, ... e così via. Ogni gang ha il suo accento caratteristico e si accentuano anche le varie parlate latine, mentre tutti i locali - giustamente . esaltano la caratteristica cadenza cubana.
Dopo un breve resoconto "storico" che illustra la nascita dei vari gruppi e delle ricerche di un elisir che consenta ai vampiri di esporsi alla luce solare senza incenerirsi, l'azione si sposta a Cuba dove il giovane Pepito, nipote di Dracula ma ignaro della sua discendenza, si gode la vita con la sua attività di trombettista nei locali dell'Havana e la rischia come attivista contro il dittatura del generale Machado.
I disegni pur essendo semplici e datati sono chiari ed efficaci, l’animazione pur ben lontana da quella disneyana dell’epoca è fluida, la sceneggiatura sottile e mirata.
Una piacevole sorpresa, da guardare.

333 “La última Cena” (Tomás Gutiérrez Alea, Cuba, 1976) tit. it. “Ultima cena” * con Nelson Villagra, Silvano Rey, Luis Alberto García  *  IMDb 7,5 RT 78%p

Un film stracolmo di allegorie politiche, storiche e religiose del più stimato regista cubano (“Memorias del subdesarrollo”, “Fresa y chocolate”, ...) uno dei pochi conosciuti in tutto il mondo. Prende spunto da un evento realmente accaduto in una piantagione di canna da zucchero a Cuba nel XVIII secolo.
Un ricco conte, apparentemente devoto e liberale, si relaziona in modo singolare con i suoi schiavi di colore, in parte appoggiato dal sacerdote ma nettamente contrastato dallo spietato mayoral.
La sequenza degli avvenimenti si presta a tante diverse letture e tanti parallelismi.
Ben fatto come “film d’avventura in costume”, ma vale molto di più se lo si comprende e si analizza accuratamente.
Interessante, vale la visione.
 

332 “Crónicas” (Sebastián Cordero, Ecu, 2004) * con Damian Alcazar, John Leguizamo, Alfred Molina, Leonor Watling  *  IMDb 6,9 RT 72%
Nomination Un Certain Regard per Sebastián Cordero a Cannes
Il “nomade” Damian Alcazar (interpreta film in tutto il sudamerica) è il protagonista di questo gioco del gatto con il topo fra un giornalista con la sua piccola troupe e un sospetto serial killer pedofilo.Questa storia violenta e cruenta si svolge in un piccolo pueblo ecuadoriano nel quali tutti hanno i nervi a fior di pelle per le sparizioni di decine di ragazzini e successivi più o meno fortuiti ritrovamenti di cadaveri.
Il film soffre di alti e bassi, alcune fai sono ben narrate, in altre il regista indugia inutilmente.
Ancora una volta Damian Alcazar si distingue per bravura e quindi ecletticità.
Sufficiente, da guardare solo se piace il genere.

331 “El lado oscuro del corazón” (Eliseo Subiela, Arg, 1992) * con Darío Grandinetti, Sandra Ballesteros, Nacha Guevara  *  IMDb 7,7 RT 95%p * 4 premi e 9 Nomination agli Award della critica Argentina
Altro film argentino assolutamente sui generis, colto, geniale, poetico (nel vero senso della parola), surreale e surrealista.
Oserei dire che Eliseo Subiela è un regista molto “cerebrale”, con grande fantasia, amante dei sogni e dell’immaginario, oltre che della letteratura in genere. Nella sceneggiatura di “El lado oscuro del corazón” ha inserito una ventina di poesie degli argentini Oliverio Girondo (1891-1967) e Juan Gelman (1930-2014) e dell’uruguayano Mario Benedetti (1920-2009), facendole declamare opportunamente dal protagonista Oliverio (pura omonimia, non ci si riferisce all’omonimo Girondo), poeta squattrinato che baratta poesie per un pasto per sé e i suoi amici, bohemien come lui. Uno modella mega-sculture erotiche che espone pubblicamente e puntualmente lo portano in galera, l’altro è uno scrittore venuto in Argentina per “vivere” i luoghi di Jorge Luis Borges e Julio Cortázar, innamorato della “latinità”.
Oliverio (Darío Grandinetti) vaga alla ricerca disperata di una donna che “sappia volare”, dialoga con sua madre che gli appare sotto forma di una mucca e discute con la quasi onnipresente morte sotto le spoglie di una donna vestita di nero. Non mancano elementi e simboli surrealisti eppure facilmente decifrabili, che dicono molto di più di tante parole. Pur non essendo amante della poesia come espressione letteraria (quindi il giudizio non è di parte), ho trovato i versi declamati estremamente acuti e inseriti al momento giusto, nella scena giusta. Al di là delle poesie e citazioni i dialoghi veri e propri sono relativamente pochi.
Meraviglia, ma non tanto conoscendo i distributori, il fatto che pare non sia giunto nelle sale italiane nonostante la partecipazione al Festival di Bergamo dove Subiela fu anche premiato per la regia. “El lado oscuro del corazón” è il quarto dei soli 14 film (in 32 anni) diretti da Subiela (1944-2016), il quale è anche stato autore di tutte le sceneggiatore.
Grandinetti lo ricorderete per le sue interpretazioni nei recenti “Relatos salvajes” (Damián Szifron, 2014) e “Julieta” (Pedro Almodóvar, 2016).
Ovviamente lo consiglio a chi ha interessi letterari e apprezza il buon cinema. Da guardare possibilmente in lingua originale se la conoscete abbastanza da apprezzarla ... è noto che i versi sono di difficile traduzione e i sottotitolisti non sempre prestano abbastanza attenzione a ciò che scrivono. A chi conosce l’inglese segnalo che in rete esiste una versione originale (quella che ho guardato) in più che buona definizione e con sottotitoli in inglese che non mi sono sembrati malvagi.
PS - gli ultimi due film guardati (questo e "Historias minimas", entrambe argentini) si trovano rispettivamente al 28° e 29 posto della classifica delle “100 mejores películas iberoamericanas de la historia”

330 “Historias mínimas” (Carlos Sorín, Arg, 2002) tit. it. “Piccole storie” * con Javier Lombardo, Antonio Benedicti, Javiera Bravo  *  IMDb 7,5 RT 88%
8 premi e 4 Nomination agli Awards dei critici argentini * Ariel come miglior film iberoamericano * 3 Premi a San Sebastian
In America Latina, senza dubbio la produzione argentina è seconda solo a quella messicana e non meraviglia quindi un film buono come questo, quasi un road movie, con pochi attori, ambientato negli immense semideserte e desolate pianure della Patagonia, con 3 protagonisti le cui strade si lambiscono appena.
Dei 3 interpreti principali, solo Javier Lombardo era attore, gli altri due (Antonio Benedicti e Javiera Bravo) erano esordienti e “Historias mínimas” è rimasto il loro solo film, eppure, in particolare il primo (70enne) si cala perfettamente nel personaggio.
Potrebbe essere l’ennesima dimostrazione del fatto che gli attori di fama contano solo per il grande pubblico e per il botteghino, ma buone sceneggiatura e regia possono bastare da sole a tenere in piedi film girati con pochi mezzi.
Film consigliato, chi non conosce il castigliano dovrebbe poter trovare anche la versione italiana.

329 “Belle epoque” (Fernando Trueba, Spa, 1992) * con Fernando Fernán Gómez, Jorge Sanz, Maribel Verdú, Penélope Cruz, Chus Lampreave, Ariadna Gil, Miriam Díaz-Aroca, Gabino Diego  *  IMDb 7,2 RT 94% * Oscar (e anche BAFTA) come miglior film non in lingua inglese * Nomination Orso d’Oro a Berlino
Arguta commedia nella quale si può distinguere nettamente l’arguta parte di critica sociale e humor nero (probabilmente tutta opera del solito Rafael Azcona) e quella più godereccia/sentimentale di minor livello. Una seppur minima conoscenza della storia spagnoladegli anni ’30, aiuta a comprendere i riferimenti ai vari eventi e ai contrasti fra monarchici, repubblicani, anarchici e anticlericali.
Penélope Cruz (all’epoca 18enne) è al suo secondo film dopo “Jamon, jamon” (Bigas Luna) uscito quasi in contemporanea. La sua è l’interpretazione più scadente e, a mio modesto parere, non sembra che negli anni sia migliorata molto. Il resto del cast conta su attori e caratteristi navigati e di ottimo livello, dai più noti Fernando Fernán Gómez e Chus Lampreave, alle nuove leve Maribel Verdú e Jorge Sanz.
Piacevole commedia, come dicevo soprattutto nelle scene di comedia negra come quella iniziale, quasi surreale.
A tempo perso, merita senz’altro una visione.

328 “El norte” (Gregory Nava, USA, 1983) * con Zaide Silvia Gutiérrez, David Villalpando, Ernesto Gómez Cruz  *  IMDb 7,7 RT 84% * Nomination Oscar sceneggiatura
Può sembrare “strano” che un film come questo ottenga una Nomination Oscar per la sceneggiatura e non quella per il miglior film non in lingua inglese, eppure mi sembra perfettamente giusto.
La storia è nettamente divisa in tre parti, la prima si svolge in un piccolo pueblo fra le montagne del Guatemala e mostra le condizioni in cui vivono i campesinos che lavorano nelle piantagioni di caffè, nella seconda si segue l’avventuroso viaggio/fuga di una fratello e una sorella verso la California affrontando non solo pericoli propri dei clandestini ma anche quelli dei due passaggi di frontiera, nell’ultima parte viene mostrato il difficile inserimento nel mondo del lavoro nero, assolutamente tollerato (sfruttato) dall’Immigration USA.
La sceneggiatura è quindi “completa”, reale, mostra alti e bassi di ogni momento e situazione, una continua alternanza di speranze e delusioni. Purtroppo la regia non è perfetta e, soprattutto, il cast non è all’altezza della situazione.
Comunque, l’interessante storia può far capire molte cose a chi non conosca le realtà centroamericane e quindi vale la pena guardarlo. Seppur datato, può ancora essere considerato attuale visto il corteo di migranti che da Honduras e Guatemala si sta dirigendo verso gli USA.

327 “Japón” (Carlos Reygadas, Mex, 2002) * con Alejandro Ferretis, Magdalena Flores, Yolanda Villa  *  IMDb 6,9 RT 80% *  Golden Camera Special Mention + Nomination Golden Camera a Cannes
Film d’esordio di Carlos Reygadas, regista poco prolifico (a tutt’oggi solo 6 lungometraggi) ma molto apprezzato, soprattutto per la fotografia (vedi Cannes) e le ambientazioni in grandi spazi aperti, ma anche per le sceneggiature, tutte nate dalla sua penna. Avevo già apprezzato “Post Tenebras Lux” (Nomination Palma d’Oro e Premio miglior regia a Cannes) e dovrei poter guardare a breve il suo più recente lavoro “Nuestro tiempo” (2018, Nomination Leone d’Oro a Venezia), anche questo con tanti esterni.
In “Japón” si nota che è ancora un po’ “acerbo”, eppure padrone delle scene, inquadrature e conduzione degli attori, tutti assolutamente non professionisti e al loro esordio, unico film del protagonista Alejandro Ferretis. Una storia ben descritta con pochissimi dialoghi.
Questo film è giunto in Italia (con titolo originale) nel 2004 e merita una visione, se non altro per comprendere e apprezzare poi i suoi successivi lavori.

326 “Tropa de elite” (José Padilha, Bra, 2007) tit. it. “Gli squadroni della morte” * con Wagner Moura, André Ramiro, Caio Junqueira  *  IMDb 8,1 RT 53% ma 87% per il pubblico * Orso d’Oro a Berlin per José Padilha
Film molto diverso dagli altri due brasiliani appena guardati, si torna nel “classico” di favelas, corruzione, droga, sparatorie e torture, eppure è focalizzato su un’equazione irrisolvibile che ha i suoi elementi principali nella polizia corrotta “per quieto vivere” (si derubano perfino fra loro), negli spietati spacciatori e negli ancor più sanguinari e fanatici membri degli “squadroni della morte” (BOPE, tropa de elite).
Si tratta di una sceneggiatura basata sulla fusione di ben 3 libri diversi, di autori differenti, adattata dallo stesso regista José Padilha insieme con quel Bráulio Mantovani, che nel 2004 aveva ottenuto la Nomination Oscar per “Cidade de Deus” per la miglior sceneggiatura non originale, con il quale divide lo stesso ambiente e molte situazioni simili.
Leggendo a posteriori varie recensioni, non sono riuscito ancora a comprendere la grande discrepanza fra il basso rating di Rotten Tomatoes (53%, ma addirittura 33% fra i top critics), quello oggettivamente alto di IMDb (8,1) e l’Orso d’Oro ottenuto alla Berlinale 2008 ... all’unanimità.
Pur non essendo un amante del genere, personalmente ho apprezzato quanto di buono, di umano e di malvagio Padilha e Mantovani hanno messo insieme, trasversalmente ... dai fricchettoni ai giustizieri “autorizzati”, dai corrotti a chi tuttavia crede nella giustizia, dai vendicatori ai vessati.
Se si sopporta la cruda violenza (che purtroppo sembra sia abbastanza comune nelle favelas di Rio) è un film che senz’altro vale una visione.

325 “Bye Bye Brasil” (Carlos Diegues, Bra, 1979) * con José Wilker, Betty Faria, Fábio Jr.  *  IMDb 7,5 RT 72%p * Nomination Palma d’Oro a Cannes
Questo è un film molto meno conosciuto di quelli di Salles, ma seguendo il girovagare di una specie di circo itinerante gli spettatori possono conoscere vari aspetti del Brasle di fine anni ’70, con cittadine ancora senza corrente elettrica mentre si costruivano la transamazonica e Brasilia, lo sfruttamento delle risorse naturali e stragi di indios, la discrepanza fra i nuovi ricchi del boom economico e la povertà quasi assoluta.
A margine di ciò, c’è anche una storia di amore, sesso e prostituzione che vede coinvolte le due coppie di protagonisti.
Senz’altro molto originale, vale certamente molto di più per ciò che mostra dell’enorme e vario Brasile che per le relazioni interpersonali fra i quattro.
Interessante visione, lo spettatore attento al background vi troverà tanti spunti di interesse.

324 “Central do Brasil” (Walter Salles, Bra, 1998) tit. int. "Central Station" * con Fernanda Montenegro, Vinícius de Oliveira, Marília Pêra  *  IMDb 8,0 RT 94% * 2 Nomination Oscar (miglior film non in lingua inglese, Fernanda Montenegro protagonista) * a Berlino Orso d’Oro e Premio ecumenico per Walter Salles, Orso d’Argento a Fernanda Montenegro * Golden Globe miglior film non in lingua inglese, Nomination per Fernanda Montenegro
Ho iniziato con questo la mia breve incursione brasiliana, un film pluripremiato del quale conoscevo il titolo ma mi era sempre sfuggito ... me lo ha riportato in mente il post Las 100 mejores películas iberoamericanas de la historia.
Film drammatico che si sviluppa sul confronto fra una “zitella” abbastanza burbera e un ragazzino appena diventato orfano di madre che le riesce a tenere testa. Partendo dalla stazione centrale di Rio, i due affronterando un lungo viaggio verso le aree interne e desolate del nord del Brasile. Uno sguardo diverso su una società che il più delle volte si conosce solo per i soliti stereotipi di vita sfrenata, favelas, carnevale, droga, musica e sesso.
Nel 2004 il regista Walter Salles avrebbe poi diretto il più noto "Diarios de motocicleta".
“Central do Brasil” merita senz’altro una visione.

323 "The Seventh Veil” (Compton Bennett, UK, 1945) tit. it. “Settimo velo” * con James Mason, Ann Todd, Herbert Lom  *  IMDb 7,0 * Oscar miglior sceneggiatura, Nomination Grand Prix a Cannes
Dopo aver guardato i primi 4 film della rassegna dedicata dalla Filmoteca Española alla sceneggiatrice (e talvolta regista) Muriel Box, ero rimasto con la curiosità di vedere anche questo, con il quale vinse l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale.
Si tratta di un dramma “psicologico” che per vari versi richiama, seppur vagamente, "The Pit Box" e "Svengali", e si sviluppa per gran parte attraverso lunghi flashback, dopo il tentativo di suicidio iniziale della protagonista..
Un medico all'avanguardia, per l'epoca, fra psicoanalisi e narcosi, dovrà rimuovere "i sette veli" della mente della giovane per scoprirla del tutto, così come la Salomè di biblica memoria restò nuda al togliersi il settimo velo (da cui il titolo). Fra prevaricazioni, possibile ipnosi, sinceri innamoramenti e un po’ di suspense si giunge alla resa dei conti finale.
Film abbastanza ben realizzato, ma non capisco perché abbiano voluto affidare alla stessa attrice (Ann Todd, all’epoca Ann Todd 36enne) sia il ruolo della protagonista 15enne che quello dell’affermata pianista da adulta ... assolutamente fuori luogo e non bastano gli atteggiamenti della giovane (fin troppo infantili), nè riprese dal basso e sedie enormi per rendere credibile la finzione. Per il resto l’attrice fornisce una buona prova ma è James Mason a distinguersi con un’interpretazione che molti giudicano la migliore della sua carriera.
Vale una visione.

322 "Hero” (Zhang Yimou, Cina/HK, 2002) tit. or. “Ying xiong” * con Jet Li, Tony Chiu-Wai Leung, Maggie Cheung, Ziyi Zhang  *  IMDb 7,9 RT 100%  *  Nomination Oscar come miglior film in lingua non inglese, Premio a Berlino per la regia di Zhang Yimou e Nomination Orso d’Oro
Dopo aver guardato il deludente secondo elemento della trilogia Matrix (conoscevo solo il primo, 1999) ho voluto ri-guardare Hero che, per quanto riguarda i “combattimenti volanti”, è di gran lunga superiore non solo per le coreografie, ma anche e soprattutto per l’eleganza cromatica che Zhang Yimou pone nelle scenografie dei vari duelli. Non si dimenticano facilmente i lunghi e svolazzanti vestiti rossi su uno sfondo di fogliame giallo ocra, né il lago assolutamente immobile, e quindi a specchio, dal quale i contendenti sollevano solo poche gocce con i loro passi proposto con riprese a livello, dall’alto e da sott'acqua, né lo spettacolare riprese del deserto del Gobi (Mongolia). Anche le numerose scene di massa sono estremamente ben realizzate ed efficaci.
Al di là dell’aspetto puramente visivo, a favore di Hero c’è anche una storia molto interessante e il modo in cui viene esposta, che non può fare a meno di far tornare in mente il capolavoro di Kurosawa “Rashomon” (1950).
Stavolta il coreografo è Siu-Tung Ching, scelto da Zhang Yimou anche per “La foresta dei pugnali volanti” (2004).
Da non perdere.

321 "The matrix reloaded” (Wachowski bro., USA, 2003) * con Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss  *  IMDb 7,2 RT 73%
Secondo elemento della trilogia Matrix, creata e diretta dai fratelli Wachowski (Wachowski bro., quando erano ancora Larry e Andy) oggi sorelle Wachowski con i nuovi nomi Lana e Lilly.
Tanta azione ed effetti speciali (di buona qualità) a bizeffe, ancora una volta adattamento hollywoodiano con profonde radici orientali (genere wuxia)
Certamente un chiaro passo indietro rispetto al primo della trilogia, che oltre ad essere oggettivamente migliore, aveva il vantaggio di essere assolutamente innovativo per il mercato americano.
Yuen Wo Ping è coreografo lo stesso di “The Matrix” (primo della serie), di “La tigre e il dragone” e dei due “Kill Bill”
Rispetta la norma (quasi una legge evidenziata anche dal botteghino) che stabilisce che raramente un sequel riesca ad essere di livello pari all’originale. Sembra che il terzo "The Matrix Revolution” sia ancora meno interessante, quasi scadente ... eviterò di guardarlo. Se avete visto il primo ... accontentatevi di quello.
 

320 "For You I Die” (John Reinhardt, USA, 1947) tit. it. “Per te io muoio” * con Cathy Downs, Paul Langton, Mischa Auer  *  IMDb 6,2
Discreto noir molto poco conosciuto, che ho guardato in quanto segnalato su un blog specializzato. La presenza dell’ineffabile Mischa Auer (che ovviamente interpreta un immigrato russo) garantisce quel pizzico di commedia che non guasta, per il resto è una solida storia con scambi di persona, molte opportune coincidenze e tempi ben congegnati.
Più che sufficiente, ma niente di eccezionale.
 

319 "Le salaire de la peur (Henri-Georges Clouzot, Fra, 1953) tit. it. “Vite vendute” * con Yves Montand, Charles Vanel, Peter van Eyck, Vera Coulzot (all’epoca era moglie del regista), Folco Lulli  *  IMDb 8,1 RT 100% * Orso d’oro a Berlino, a Cannes Gran Prix per Clouzot e Menzione Speciale per Charles Vanel  *  al 198° posto nella classifica IMDb dei migliori film di tutti i tempi
Pur essendo questo uno dei suoi film più quotati, stavolta Clouzot mi ha deluso ... se si destreggia benissimo con i noir, crime e thriller, l’avventura non sembra essere il suo campo. Riconosco che descrive bene l’ambiente del desolato paesino in America Latina e i caratteri dei vari personaggi, ma la parte “avventurosa” di questa storia basata su un romanzo di Georges Arnaud e adattata dallo stesso Clouzot e Jérôme Géronimi) è platealmente poco plausibile ... quasi per niente. Probabilmente il grande successo del film fu in gran parte dovuto alla presenza di bravi e noti attori come i protagonisti Yves Montand e Charles Vanel, che nel film offrono ottime interpretazioni, ma proprio non sono d’accordo in merito al 198° posto nella classifica IMDb dei migliori film di sempre, che mi meraviglia molto.
Guardabile, ma ripeto che per me è di livello molto inferiore a “L'assassin habite... au 21”, “Le corbeau”, “Quai des Orfevres”, “Les diaboliques” e “L’enfer” (per quanto si è potuto vedere di questo incompiuto).
Per fortuna, dopo questo film Clouzot tornò al crime/noir con l’ottimo “Les diaboliques” (con Simone Signoret e Charles Vanel) che include scene thriller che nulla hanno da invidiare alle migliori di Hitchcock.

318 "Quai des Orfèvres" (Henri-Georges Clouzot, Fra, 1947) tit. it. “Legittima difesa” * con Suzy Delair, Bernard Blier, Louis Jouvet, Simone Renant, Charles Dullin  *  IMDb 7,7 RT 100% * Premo internazionale per la regia e Nomination per il Gran Premo internazionale a Venezia
A metà strada fra un dramma della gelosia ossessiva e un noir con mille risvolti e colpi di scena, "Quai des Orfèvres" è tratto da un romanzo di Stanislas-André Steeman, con sceneggiatura e dialoghi (pertinenti e credibili) dello stesso Clouzot. Sono ottime anche fotografia e interpretazioni, fra le quali spicca quella di un relativamente giovane Bertrand Blier (30enne), ma sono bravissime anche le due prime donne Suzy Delair e Simone Renant (che se lo contendono), l’ispettore di polizia Louis Jouvet e l’inquietante Charles Dullin.
I noir francesi degli anni 40-50 sono un punto fermo del cinema francese e influenzarono decisamente i noir d’oltreoceano. Anche se mi sembra che non siano molto conosciuti in Italia, Henri-Georges Clouzot (1907–1977) e Jean-Pierre Melville (1917–1973) potrebbero quasi essere reputati i veri padri del genere.
Film interessantissimo e di ritmo rapido che non consente distrazioni da parte del pubblico; quasi in ogni scena c’è qualche elemento che può essere visto come un indizio, una trascuratezza dell’assassino, un rischio di rivelare una bugia. Tempi e dettagli sono tutti ben studiati e posizionati alla perfezione nella scaletta.
Ovviamente non si può dire di più in quanto alla trama, non resta che guardarlo con attenzione.

317 “La grande illusion“ (Jean Renoir, Fra, 1937) tit. it. “La grande illusione” * con Jean Gabin, Pierre Fresnay, Eric von Stroheim, Dita Parlo  *  IMDb 8,1 RT 97% * Nomination Oscar come miglior film (assoluto) - Premio al “Valore artistico” e candidato alla “Coppa Mussolini” a Venezia nel 1937 (ma solo 10 anni dopo nelle sale italiane)
Ottimo film bellico (relazionato con la guerra, ma nessun combattimento) tuttavia un po' al di sotto delle aspettative considerando le eccezionali recensioni che lo precedevano, in particolare nutro molti dubbi sulla plausibilità di alcune situazioni. Conta su sceneggiatura e dialoghi dello stesso Jean Renoir e di Charles Spaak, padre della più famosa Catherine.
Quasi tutto il film si basa sui rapporti di onore (e addirittura di cortesia) fra tedeschi e francesi nei campi di prigionia per ufficiali, i primi in comando, i secondi detenuti. Ottimo il cast fra i quali spiccano Jean Gabin e Eric von Stroheim, ma sono molto ben coadiuvati da tanti ottimi coprotagonisti, a cominciare da Pierre Fresnay, da poco apprezzato in “Le corbeau” (Henri-Georges Clouzot, Fra, 1943) e Julien Carette.
Un film bellico d’altri tempi e soprattutto di guerra di altra epoca, che resta senz’altro una pietra miliare per la cinematografia francese e non solo.

316 "Seduced and Abandoned" (James Toback, UK, 1948) tit. it. “Sedotti e abbandonati“ * con James Toback, Alec Baldwin, Bernardo Bertolucci, Martin Scorsese, Roman Polanski, F. Ford Coppola, James Caan, Jessica Chastain, Bérénice Bejo, Diane Kruger, Ryan Gosling  *  IMDb 6,7 RT 90%
Pur avendo letto di cosa si trattava non ero riuscito ad avere una precisa idea di cosa avrei visto, ma "Sedotti e abbandonati" ha superato di gran lunga ogni più rosea aspettativa. Nel corso delle quasi surreali, eppure vere, trattative con produttori di ogni parte del mondo i due soci in affari James Toback e Alec Baldwin sembra si siano trovati assolutamente a loro agio riuscendo ad essere abbastanza convincenti nel richiedere finanziamenti per un improbabilissimo "Last Tango in Tikrit", storia di sesso estremo con Alec Baldwin e, ambientata in Iraq durante la guerra iniziata nel 2003.
I due marpioni riescono anche a sottoporre a registi di chiara fama, quali Scorsese, Coppola, Polanski e Bertolucci, il loro progetto e nel corso di tali chiacchierate si parla del buon cinema di altri tempi e vengono fuori gustosi aneddoti relativi sia alla loro vita privata che ai loro rapporti con personaggi del calibro di Brando o Pasolini. Parlando con produttori che non capiscono niente di arte cinematografica (lo ammettono loro stessi) evidenziano che molti di loro non guardano neanche i film che producono, badando esclusivamente al marketing. Incredibilmente, ma sempre in via teorica, quasi tutti i produttori si dichiarano disposti a finanziare questo film (imponendo qualche cambio nel cast ... nessuno vuole Neve Campbell come protagonista) ma concordano nel limitare l'investimento a circa 5 milioni di dollari, sottolineando l'importanza (economica) dei nomi (e non della bravura) degli attori principali che spesso, da soli, determinano le sorti di un film a prescindere dalla qualità tecnica e della trama. Per quanto riguarda gli attori "negativi" viene fuori che esiste addirittura una lista di "box office poison actors", cioè quelli che assolutamente non attirano pubblico. Leggendo fra le righe delle conversazioni con gli attori James Caan, Bérénice Bejo (The Artist), Diane Kruger, Ryan Gosling e Jessica Chastain, si percepisce che quanto detto è vero e si conosce anche qualche punto di vista della categoria.
In effetti, come specificato dagli autori in apertura, questo “film” non rientra in nessuna categoria specifica, potrebbe essere un documentario quasi mockumentary, ma in realtà i due simpatici marpioni recitano una parte, pur interpretando sé stessi. Attori che interpretano personaggi non ce ne sono per niente, ciò che si vede sullo schermo fu girato durante il Festival di Cannes del 2012 che, come tutte altre edizioni, attirò produttori, registi e attori oltre che critici, distributori, giornalisti e aficionados. Pertanto, non furono costruiti set e per gli incontri si utilizzarono i normali salottini, suite, yacht, ristoranti o bar.
Ho trovato pregevole (e molto gradevole anche se richiede tanta attenzione) l’idea di Tobak che, per oltre metà del tempo, divide lo schermo in 2 o più riquadri, mostrando chi parla da un lato e scene dei film ai quali si riferisce dall'altro/i, il tutto ad un ritmo spesso quasi frenetico. In considerazione di tutto ciò, ai non cinefili o non interessati alla settima arte appare senza dubbio un film troppo parlato, dispersivo e poco interessante. Al contrario, per tutti quelli che sanno di cinema, ricordano i famosi film citati e ne riconoscono le scene proposte senza necessità di leggere i titoli, conoscono almeno buona parte dei tanti nomi e titoli menzionati, "Seduced and Abandoned" risulta essere un memorabile assemblaggio di dialoghi, racconti e immagini.
Pertanto, ai primi suggerisco di evitare di guardarlo mentre lo consiglio calorosamente ai cinefili, specialmente a qualli con qualche decennio di visioni alle spalle.

315 "The Blind Goddess" (Harold French, UK, 1948) tit. it. “Accadde a Praga“ * con Eric Portman, Anne Crawford, Hugh Williams *  IMDb 6,4
Stavolta i coniugi Muriel e Sidney Box (produttori e sceneggiatori) portano sullo schermo un lavoro teatrale di Patrick Hastings, ambientato fra tribunale e nobili e ricche magioni, con “Sir” imbroglioni, avvocati e storie d’amore.
Ne risulta un film con molti colpi di scena in tribunale (sulla base di tante bugie), intrighi, coincidenze (fortunate per alcuni sfortunate per altri) e passioni. Perfetto il cast nel suo complesso, dagli avvocati ai litiganti, dal maggiordomo al giudice, dagli amanti ai giurati.
Piacevole dramma, quasi thriller. Il titolo originale si riferisce alla Giustiza (cieca), quello italiano (sconsiderato) all’evento di apertura ... tutto il resto si svolge a Londra.
Piacevole visione, sufficiente per meritare una visione a tempo perso.

314 "With my Husband Consent " (Yasuzô Masumura, UK, 1964) tit. or. “Otto ga mita 'Onna no kobako' yori“ * con Ayako Wakao, Jirô Tamiya, Keizô Kawasaki  *  IMDb 7,5
Quarto film di Masumura che ho avuto occasione di vedere, chissà se e quando avrò occasione di guardare uno dei suoi altri 53. In questa prima settimana del ciclo che la Filmoteca Española gli sta dedicando sono stati proposti film di genere molto diverso, eppure tutti buoni e congruenti con le particolari idee del regista.
Ieri sera tutto ruotava attorno ad un intreccio fra finanza e passioni, con sorprese e tradimenti in entrambe i campi e immancabile tragico e cruento finale. Forse, proprio nella gestione dell'ultima scena il film ha perso un colpo, per il resto conta su una buon trama, tempi giusti, inquadrature curate, ottimo commento musicale. Masumura in poco più di un'ora e mezza riesce a mostrare se non il peggio, almeno tanti aspetti negativi della ipocrita classe borghese giapponese, con personaggi avidi, arrivisti, bugiardi, egoisti, vendicativi ... e ciò vale per entrambe i sessi.
Nel programma, in calce alle poche righe di presentazione del film, era riportata un’altra citazione di Masumura: “Non esiste il desiderio non represso, una persona che rivela i suoi desideri più intimi si può solo considerare pazza. Voglio creare un pazzo che esprima i suoi desideri senza pudore, indipendentemente da ciò che pensa la gente.”

313 "The Man Within" (Bernard Knowles, UK, 1947) aka “The Smugglers” (USA), tit. it. “Contrabbandieri“ * con Richard, Michael Redgrave, Jean Kent, Joan Greenwood * IMDb 7,2
Tratto dall’omonimo romanzo di Graham Greene (il suo primo, pubblicato nel 1929, uno dei pochi che non ho letto), vede come protagonista l’allora 24enne Richard Attenborough, lo stesso che l’anno seguente avrebbe interpretato Pinkie in un’altra famosa trasposizione cinematografica di un romanzo di Greene (Brighton Rock) e 35 anni dopo avrebbe vinto 2 Oscar come produttore e regista di “Ghandi”. Il film conta anche sulla presenza di Michael Redgrave, noto attore dell’epoca, padre di Vanessa.
La costruzione è in flashback e la storia viene raccontata dal giovane Francis Andrews (Attenborough) che nelle scene di apertura appare in catene, in procinto di essere torturato. Ciò mi è sembrato un limite in quanto ha comportato molta voce fuori campo del protagonista, in stile noir (ma in questo caso si tratta di un film in costume, ambientato nell’Inghilterra di un paio di secoli fa).
Si può dire che la trama segue già quello che sarà poi lo stile di Greene con protagonisti/”eroi” sempre un po’ sfortunati, spesso al limite della legalità, che si devono dare molto da fare per sopravvivere.
Da un tale buon soggetto, Muriel a Sidney Box avrebbero potuto trarre una migliore sceneggiatura e Bernard Knowles avrebbe potuto fare di meglio. Forse sarebbe stato meglio se quest’ultimo avesse continuato ad essere un buon direttore della fotografia (sua professione dal 1927 al 1944, con varie collaborazioni con Hitchcock) invece di passare alla regia nel 1945 (“The Man Within” è il suo terzo film).
Film quindi senz’altro guardabile, ma soprattutto per interpretazioni e storia originale.
 

312 "Where the Wild Things Are" (Spike Jonze, USA/Aus/Ger, 2009) tit. it. “Nel paese delle creature selvagge“ * con Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo  *  IMDb 6,8 RT 72%
E oggi anche un film per ragazzi, del quale non avevo mai sentito parlare, che tuttavia ha richiamato la mia attenzione per aver raccolto commenti molto contrastanti non tanto in merito alla tecnica (comunque molto originale) quanto ai contenuti. Il soggetto è tratto da una brevissima storia di Maurice Sendak, scritta nel 1963, quasi banditi nei primi anni e poi diventata un bestseller (quasi 20 milioni di copie vendute). Nel "libro" i mostri non parlano neanche, i dialoghi del film sono tutti frutto della fervida immaginazione degli sceneggiatori Dave Eggers e Spike Jonze (anche regista), con il beneplacito di Sendak.
La prima certezza, e sembra che molti concordino con me, è che non è un classico film per bambini, forse qualcuno di loro potrà anche divertirsi per qualche scena ma per il resto è abbastanza inquietante. Avevo accennato alla tecnica abbastanza singolare, un misto di pupazzi e CGI, con pochi attori in apertura e chiusura, oltre al protagonista Max Records, quasi sempre in scena.
Ho avuto l’impressione che ci sia molta psicologia (quasi psicanalisi) nel proporre “le creature selvagge” che certamente rappresentano i vari atteggiamenti e limiti del ragazzo, ma questa è una lettura che richiede molto approfondimento e chissà se e quanto era nelle intenzioni degli sceneggiatori. I dialoghi sono senz’altro brillanti e ben rappresentano tante situazioni comuni fra familiari, amici, amanti.
Non lo consiglierei a nessun bambino, ma senz’altro a molti adulti. Belle le location australiane.
 

311 "Beauty Lives in Freedom" (Wang Bing, Cina/Fra, 2018) tit. or. “Gao Er Tai“ * con Gao Er Tai
E giunse il giorno della "prima mondiale di " Gao Er Tai ", un film molto speciale non solo per la durata 5 ore, ma anche e soprattutto per il significato storico-sociale-politico-filosofico in merito a quanto è successo nel secolo scorso in Cina, periodo del quale in Occidente ne sappiamo poco o niente.
Gao Er Tai (1936) è un artista, professore e filosofo cinese, rinchiuso per un paio di anni (fine ’50) nel famigerato campo di concentramento di Jianbiangou dal quale uscirono vivi meno del 20% dei reclusi. Successivamente fu trasferito e poi rilasciato e ri-arrestato più volte per le sue idee (giudicate pericolose per il regime) e passò molti altri anni privo di libertà anche se in condizioni molto più decenti del “campo di lavoro e riabilitazione” ai margini del deserto del Gobi. Finalmente riabilitato, anche grazie alle sue riconosciute abilità e conoscenze artistiche, tornò all’insegnamento universitario ma quando entrò a far parte di un comitato di intellettuali che crearono la rivista “New Enlightment” fu di nuovo arrestato e perse il lavoro. Insieme ad un altro perseguitato politico riuscì finalmente a scappare a Hong Kong e quindi negli USA, dove ora vive.
Gli avvenimenti salienti di quasi 30 anni della sua vita (nel corso dei quali fu preso di mira in molte delle innumerevoli “campagne” promosse dal regime come quelle “Anti-Rightist Movement”, “Anti-Spiritual-Pollution”, "Anti-Bourgeois Liberalization") li racconta al documentarista Wang Bing (classe 1960) che si occupa soprattutto di emarginati, perseguitati, desaparecidos, vittime delle varie rivoluzioni ed epurazioni in Cina, dai tempi di Mao a quelli moderni di progresso, tecnologia e pseudo-capitalismo.
Se molti suoi lavori si basano su riprese clandestine effettuate in Cina, e di conseguenza sono banditi, questa “narrazione” (che non definirei documentario né intervista) consiste nel montaggio di varie lunghe riprese di Gao Er Tai che racconta con dovizia di particolari gli episodi salienti della sua vita in patria. Devo dire che, cinematograficamente parlando, il lavoro è di scarsissima qualità, però le appassionate “cronache” del filosofo (che più volte è costretto a interromperle per la commozione) sono di eccezionale interesse. Spaziano dalle condizioni di lavoro e sopravvivenza nel campo a saggi filosofici (quello sulla bellezza, ripreso nel titolo internazionale, fu quello che lo mise per la prima volta nei guai), dalla difficoltà di trovare lavoro per i suoi trascorsi al modo nel quale cercava di annotare idee da elaborare successivamente, dalla sua vita come “custode e studioso” degli affreschi delle grotte di Mogao alle discussioni di tesi di dottorato, dalla creazione della rivista all’avventurosa fuga a Hong Kong.
Nel mese di ottobre a Madrid, per la prima volta, si propone l'intera produzione di Wang Bing in una sola rassegna, utilizzando due sedi diverse: tutti i film alla Filmoteca Española, alcuni film e le installazioni al Museo Reina Sofia (a Madrid secondo solo al Prado).
In conclusione, pur con le pause silenziose, le lunghe inquadrature fisse, alcune ripetizioni nella narrazione (assolutamente comprensibili per un 82enne) e con la quasi totale assenza di movimenti di macchina e montaggio significativo, "Beauty Lives in Freedom" avvince e ciò è stato dimostrato dal fatto che, nonostante le 5 ore di durata (con Gao Er Tai inquadrato certamente per almeno 4 ore mezza) almeno 3/4 del pubblico è rimasto in sala fino al termine della proiezione.

310 "Seisaku's Wife" (Yasuzô Masumura, Jap, 1965) tit. or. Seisaku no tsuma“ * con Ayako Wakao, Takahiro Tamura, Nobuo Chiba  *  IMDb 7,8
"Ciò che mi interessa è il conflitto che sorge fra l'espressione dei nudi desideri che non possono essere controllati dall'ambiente in cui si vive" (Yasuzo Masumura).
Ancora una volta il regista non salva quasi nessuno, per quanto buone e sincere possano essere alcune azioni dei protagonisti, parallelamente mostrano anche i loro lati peggiori per rispettare prassi, tradizioni, leggi inique, disposizioni. La protagonista Okane utilizzerà una violenza inaudita per contrastare altra violenza ... e lo fa “per amore”. Seisaku conclude il film affermando che le sue “disavventure” l’hanno trasformato da “stupido soldato nazionalista” in un vero uomo.
Masumura, attraverso questo dramma estremo proporne una visione critica di tante situazioni legate alla cultura ancestrale giapponese e calca anche la mano sull’inutilità della guerra (in questo caso quella del 1904-5 contro la Russia zarista) e sul “lavaggio del cervello” operato sui giovani giapponesi, in particolare quelli mandati incontro a morte certa come kamikaze i quali se tornavano vivi venivano trattati quasi da traditori.
Argomento da lui proposto in modo più specifico in “Hoodlum Soldier” (dello stesso) del quale Jonathan Rosenbaum ha scritto: “L’unica violenza della II Guerra Mondiale che vediamo rappresentata è quella fa i soldati giapponesi fra i quali la diserzione viene vista come sintomo di lucidità mentale”.
Anche in questo caso Masumura si basa su un famosa opera letteraria (romanzo di Genjirô Yoshida, già proposto come film nel 1924) e per l’adattamento si affida ancora una volta a Kaneto Shindô.

309 "A Girl in a Million" (Francis Searle, UK, 1946) * con Hugh Williams, Joan Greenwood, Basil Radford * IMDb 7,0
Originale commedia romantico-coniugale che si svolge per lo più in una casa (annessa ad un laboratorio in area militare) che alloggia tre ricercatori e un anziano tuttofare che li accudisce. L’equilibrio viene turbato dall’arrivo di una 19enne con la quale, “loro malgrado”, dovranno convivere.
Al di là di prevedibili ma ben proposte scenette e battute, il film è costruito su varie situazioni limite che vengono contrastate e terminate per poi ripresentarsi quasi simili, solo con aspetto diverso. Piacevole commedia che prende di mira soprattutto il matrimonio e gli scapoli, con humor molto inglese, senza far mancare le solite piccole stoccate nei confronti dei "cugini americani".
Film in cartellone per il ciclo "una cineasta a la intemperias", dedicato alla regista, sceneggiatrice e produttrice inglese Muriel Box, in questo caso autrice di soggetto e sceneggiatura, oltre ad essere la produttrice insieme con suo marito Sydney Box.

308 "Woodstock: 3 Days of Peace & Music" (Michael Wadleigh, USA, 1970) tit. it. “Woodstock: tre giorni di pace, amore, e musica” * con Richie Havens, Joe Cocker, The Who, Jimi Hendrix, Santana, Canned Heat, Janis Joplin, Joan Baez, Jefferson Airplane Crosby Stills & Nash, Arlo Guthrie, Ten Years After, Country Joe McDonald, Sly and the Family Stone, John Sebastian, Country Joe and the Fish * Martin Scorsese fu assistente regista  *  IMDb 8,1 RT 100% * Oscar come miglior documentario e Nomination per miglior montaggio e miglior sonoro
La versione proiettata ieri sera al Cine Doré (Filmoteca Española) e quella “director's cut” da 224’ (3h e 44’), 40 minuti più lunga della commerciale normalmente (raramente) proiettata. Visto che si trattava di ottima musica di quasi 50 anni fa, non mi ha meravigliato la presenza di una maggioranza di spettatori con capelli più o meno bianchi (chi li aveva ...) e nonostante la durata del film e l’ora (fin quasi a mezzanotte) non ci sono stati “abbandoni”.
La regia e il montaggio (premiato con l’Oscar) sono di ottimo livello, per non parlare della musica. Michael Wadleigh è riuscito a combinare la parte più documentaristica sapientemente, e piacevolmente, alternando allestimenti, costruzioni, acquazzone e conseguente fango, folla e perfino svuotamento dei gabinetti chimici, ecc. con interviste sia a gente comune e abitanti delle cittadine vicine che a spettatori di tutti i tipi. Utilizzando partizioni dello schermo (in 2 o 3 parti) spesso è riuscito ad accomunare riprese degli artisti sul palco con situazioni quasi comiche e tipi molto originali. Quando poi si è dedicato esclusivamente alle performance, con lo stesso sistema dei riquadri (talvolta separati in modo netto, talvolta uniti da doppia esposizione) ha proposto originali raddoppi e triplicazioni dell’artista di turno, ripreso da punti di vista e/o distanze diverse.
In conclusione, al di là dell’ottima musica, si assiste ad un documentario tanto fluido e ben realizzato (anche con grande ironia e badando ai contenuti e agli ideali) che le quasi 4 ore non pesano assolutamente.
Se mi permetto di scrivere qualcosa di cinema, non mi permetto certo di commentare la musica, in particolare quella di Woodstock, in quanto non proprio appassionato di rock e dintorni. Bene o male conoscevo comunque la maggior parte dei pezzi, ma qui elenco (in ordine di apparizione essendo impossibile stilare classifiche, anche a causa della varietà dei generi) gli artisti che più mi hanno entusiasmato, quasi emozionato, con le loro coinvolgenti esibizioni: Richie Havens, Canned Heat, Joe Cocker, Ten Years After, Santana, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Jimi Hendrix. Divertente ma assolutamente inconsistente (e molto datata) l’esibizione degli Sha Na Na.
PS - Da quanto ho avuto modo di leggere, i 40 minuti extra comprendono i due pezzi Jefferson Airplane, l’unico di Janis Joplin, ed un pezzo in più ciascuno per Canned Heat e Jimi Hendrix. Fra i tanti altri artisti presenti al concerto ma che non compaiono in questo film c’erano anche i Creedence Clearwater Revival, The Band, Blood, Sweat & Tears e perfino Ravi Shankar.

307 "Spider Woman" (Yasuzô Masumura, Jap, 1966) tit. or. “Irezumi” * con Ayako Wakao, Akio Hasegawa, Gaku Yamamoto * IMDb 7,2
Preceduto da una interessante introduzione del critico Palacio (esperto di cinema giapponese), nel corso della quale lo ha indicato come uno dei migliori film di Masumura, ho visto il secondo film della rassegna.
Irezumi letteralmente significa tatuaggio e così il titolo è stato tradotto in Francia “Tatouage” e internazionalmente (in inglese) lo si trova come “Tattoo”, “Spider Tattoo” o anche “Spider Woman”, visto che sulle spalle della protagonista viene tatuato appunto un grande ragno con il volto di donna.
Stile particolare, colori sempre vivi e soggetti ben illuminati, come sottolineato da Palacio anche in questo film tipicamente giapponese si possono notare influenze occidentali, derivanti dagli anni trascorsi da Masumura in Europa.
Il film è a tutti gli effetti un melodramma noir, pur essendo ambientato all'epoca del Giappone feudale. Il soggetto prende spunto da un romanzo, ma tutti gli sviluppi successivi sono idee dello stesso Masumura, sceneggiate da Kaneto Shindô. Come nel film di ieri, non ci sono buoni e cattivi, ma solo tanti individui che vivono al di fuori delle regole, ciascuno con le sue repressioni, le sue manie, i suoi fini più o meno leciti, le sue perversioni, le sue subdole azioni.
Pur essendo attivo solo durante 25 anni come regista, Masumura diresse 57 film, dei quali ben 50 nei primi 15, per la maggior parte commerciali toccando praticamente tutti i generi, dalla commedia al dramma, dai yakuza agli erotici.
"La passione e l'eccesso, sia estetico che emozionale, sono le principali caratteristiche di Masumura, un cineasta capace di conciliare Oriente e Occidente in lavori di una eleganza senza eguali che, senza dubbio, possono raggiungere le più spinte vette della follia". (Jesus Palacio)

306 "Dreams" (Akira Kurosawa, Jap, 1990) tit. or. “Yume”, tit. it “Sogni” * con Akira Terao, Chishû Ryû, Mitsuko Baishô, Martin Scorsese, Toshie Negishi  *  IMDb 7,8 RT 61% * Premo internazonale per la regia e Nomnaton per il Gran Premo internazonale a Venezia
Terzultimo film di Kurosawa, diretto all'età di 80 anni, ma già è chiaro il suo atteggiamento nel voler tirare le somme della sua vita, fra ricordi di guerra, considerazioni sul nucleare, approccio alla morte.
Questo film è composto tuttavia di 8 episodi ben distinti, tuttavia concatenati e più che di sogni si dovrebbe parlare di incubi, almeno per la metà di essi. Kurosawa lavora molto sui colori sia nei sogni più vivi e “allegri” sia in quelli tragici e deprimenti nei quali prevalgono i toni scuri e ogni tonalità di rosso.
I primi due, legati alla sua infanzia, sono una gioia per gli occhi, ricchi di colori e maschere delle tradizioni giapponesi, geniale il quinto nel quale l suo alter ego si muove fra e nei coloratissimi dipinti di Van Gogh (interpretato da Martin Scorsese) e assolutamente bucolico e rilassante l’ottavo e ultimo con l’iconico Chishû Ryû, protagonista di tanti dei migliori film giapponesi di metà secolo (240 interpretazioni).
Gli altri 4 episodi (che definirei incubi) Kurosawa comincia con la forza distruttiva della natura per poi passare a minacce ben più gravi per il genere umano, causate dagli uomini stessi ... vedi guerre e contaminazione nucleare.
Un film quindi pieno di contrasti, così come del resto la vita che procede fra alti e bassi, dall’infanzia alla morte.
Certo non il solito Kurosawa, che stavolta ha anche ecceduto in più punti in lentezza e ripetitività. Nella seconda ora di visione ho notato varie defezioni ... spettatori che, complice l’ora (quasi mezzanotte), non hanno resistito fino ai titoli di coda.
Consigliato, ma che siate ben svegli e ben disposti.
 

305 "Warm Current" (Yasuzô Masumura, Jap, 1957) tit. or. “Danryu” * con Jun Negami, Sachiko Hidari, Hitomi Nozoe  *  IMDb 7,6
Questo è il primo dei film di Masumura presentato alla Filmoteca Española di Madrid, che a lui ha dedicato un ciclo di 6 dei suoi migliori film, tutti tratti da opere letterarie giapponesi. Laureato in filosofia con una tesi su Kirkegaard, Masumura poco dopo vinse una borsa di studio del centro di cinematografia di Roma dove ebbe fra i suoi docenti Antonioni, Fellini e Visconti. Quindi fu assistente di Carmine Gallone per la coproduzione italo-nipponica di “Madama Butterfly” (1954), per poi tornare in patria ed essere assistente di Mizoguchi per "Princess Yang Kwei Fei" (1955) e "Street of Shame" (1956) e alla morte del regista, diventare assistente di Kon Ichikawa. Non si può dire che non abbia avuto buoni maestri e con abbia fatto ottima gavetta.
A giusto titolo Masumura è considerato esponente di rilievo della cosiddetta New Wave giapponese (alla quale mi sono già interessato mesi fa) che ha preceduto di alcuni anni la senz'altro più famosa omologa francese,.
Ai cinefili che abbiano dimestichezza con l'inglese e di mentalità aperta (quelli che non disdegnano i prodotti non commerciali, né film d'epoca e di cinematografie poco conosciute) consiglio vivamente di leggere questo illuminante articolo su Masumura, con riferimenti a Hawks.
Masumura sosteneva che "i sentimenti nei film giapponesi sono contenzione, armonia, rassegnazione, tristezza, fuga e sconfitta, e non vitalità dinamica, lotta, piacere, vittoria e ricerca. Io preferisco l'emozione semplice e cruda, perché credo che noi giapponesi reprimiamo i nostri desideri tanto da perdere di vista il nostro vero pensiero."
Attenendosi a tale visione, già in questo primo film della rassegna (il suo terzo lungometraggio, ma “contemporaneo” ai primi due, tutti del ’57) propone tanti personaggi e situazioni certamente ben distanti da quelli ai quali ci avevano abituati i registi giapponesi dell'epoca. Quasi tutti sono arrivisti, spesso subdoli, senz'altro egoisti. Il protagonista è un giovane manager (non medico) che deve riorganizzare un ospedale che, in particolar modo per quanto riguarda dottori e infermiere, non è un modello di perfezione. Fra amori, proposte di matrimoni, un suicidio, gelosie, ricatti, diffamazioni e aggressioni il film procede decisamente a buon ritmo con vari colpi di scena.
Interessante spaccato poco convenzionale del Giappone del dopoguerra.

304 “La vérité" (Henri-Georges Clouzot, Fra, 1960) tit. it. “Odio mortale” * con Brigitte Bardot, Paul Meurisse, Charles Vanel
IMDb 7,6 RT 89% * Nomination Oscar miglior film non in lingua inglese
Ultimo film in ordine cronologico (ma anticipato per motivi di tempo) di questa breve serie di Clouzot, più moderno e molto più commerciale di ”Le corbeau”, logico considerato il cast che include Brigitte Bardot (all’epoca già indiscussa sex symbol internazionale) e attori famosi come Charles Vanel e Paul Meurisse.
Si tratta di un court movie, nel quale si alternano con regolarità scene del processo e flashback.
Si ricostruisce la storia della dissoluta e sbandata vita della giovane Dominique Marceau (BB), giunta a Parigi senza arte né parte al seguito della sorella (violinista).
Il suo atteggiamento molto bohémien la mette costantemente nei pasticci, in un'escalation che si conclude con vari colpi d pistola seguiti dalla prigione e quindi dal processo. Ma quanto è veramente colpevole Dominique?
Clouzot non delude, BB mette spesso in mostra le sue beltà, gli avvocati di parte e il pubblico accusatore sono ben proposti e ottimamente interpretati, l'ambiente dei giovani del Quartier Latin del 1960 sommariamente descritto, ma sono i due protagonisti che indispongono per essere fuori controllo, dispettosi, irrazionali, e per di più lui (Gilbert, un insipido Sami Frey) è possessivo e geloso.
A causa di questa ultima ripetitiva situazione il film diventa un po’ “pesante” e Clouzot avrebbe potuto senz’altro ridurne la durata (2 ore) ma probabilmente i produttori la pensavano diversamente.
Resta un buon film per i vari suddetti meriti, non fra quelli memorabili diretti da Clouzot, ho molti dubbi su quanto abbia meritato la Nomination Oscar.

303 "Le corbeau" (Henri-Georges Clouzot, Fra, 1943) tit. it. “Il corvo” * con Pierre Fresnay, Ginette Leclerc, Micheline Francey  *  IMDb 7,7 RT 89%
Tornando al cinema francese di metà secolo scorso, ho recuperato 4 ottimi film (almeno sulla carta) di Clouzot che non avevo ancora visto (due 100% e due 89% su Rotten Tomatoes) e già questo primo ha ampiamente superato le aspettative.
Si tratta di un mystery drammatico basato sulla ricerca di un misterioso “corvo” che con le sue tante lettere anonime riesce ad avvelenare i rapporti in un'intera cittadina di provincia creando scompiglio nelle famiglie e fra amanti, facendo sorgere sospetti in tutti, causando un suicidio, infinite gelosie e tentativi di aggressioni. Fino all'ultima scena, nonostante in vari momenti possa sembrare che tutti gli indizi puntino in una chiara direzione, il corvo riuscirà a non farsi scoprire.
Ottima regia da classico noir francese, supportata da un ampio e variegato cast, con tanti attori poco noti che tuttavia interpretano perfettamente i rispettivi ruoli. Una menzione particolare la merita anche il direttore della fotografia Nicolas Hayer .
Da non perdere!

302 "La noche avanza" (Roberto Gavaldón, Mex, 1952) tit. int. “Night Falls”, tit. it. “Odio mortale” (!?) * con Pedro Armendáriz, José María Linares-Rivas, Anita Blanch, Rebeca Iturbide  *  IMDb 7,4 RT 93%
Un film noir messicano della Epoca de Oro che ho voluto ri-guardare per il particolare ambiente al quale è legato. Un ambiente estremamente colorito che ho più volte frequentato a Napoli, finché è stato in piedi lo Sferisterio (messo fuori uso dal terremoto del 1980) e a Città del Messico prima che il Frontón México (location del film) facesse la stessa fine per il terremoto del 1984. Non per niente vi dedicai due post (Jai Alai al Fronton Mexico e Sferisterio di Napoli) che vi invito a leggere per rendervi conto un po’ meglio di questo strano mondo che comprende non solo atleti e semplici appassionati, ma anche scommettitori e tipi loschi con conseguenti saltuarie combine, favorite anche dal fatto che le scommesse sono consentite fino all'ultimo punto, con quote variabili strillate da bookmaker vestiti di bianco con basco rosso, che incassano le puntate e consegnano le ricevute inserite in palline da tennis.
In "La noche avanza" il protagonista Marcos (Pedro Armendáriz) è il più famoso giocatore di jai alai (pelota basca) del momento, donnaiolo, infedele, bugiardo, arrogante, insomma u bel "tipino". Dopo aver vinto 26 incontri di seguito e appena prima di trasferirsi all'estero si trova fra tre storie amorose a dir poco complicate e viene ricattato per perdere un incontro in modo da poter approfittare con le scommesse. Riusciranno i ricattatori (che hanno conti di vario genere in sospeso con Marcos, e anche fra di loro) a portare a termine i loro diabolici piani? Scagnozzi infedeli e amanti disperate e vendicative complicano ulteriormente gli avvenimenti della seconda metà della storia, fino alle varie sorprese finali.
Più che onesto noir messicano diretto da Gavaldón, con solide interpretazioni di Pedro Armendáriz e José María Linares-Rivas, ma anche il resto del cast svolge un buon lavoro.
Consigliato, in particolare a chi gradisce storie in poco conosciuti ambienti di nicchia.

301 "The Dead" (John Huston, UK, 1987) tit. it. “Gente di Dublino” * con Anjelica Huston, Donal McCann, Helena Carroll  *  IMDb 7,4 RT 93% * Nomination Oscar per sceneggiatura e costumi
Ultima regia dell’allora 81enne John Houston, il film fu proiettato in prima mondiale al Festval dii Venezia, appena una settimana dopo la sua morte. Era stato preceduto da “Prizzi's Honor” (1985) e “Under the Volcano” (1984), colpi di coda più che buon ma non eccellenti di una brillante carriera costellata di alti e bassi, marcata anche da oltre 40 apparizioni come attore.
Sceneggiatura basata su una short story di James Joyce, l’ultima della raccolta “Dubliners” (1914), nota per aver avuto una gestazione molto travagliata. Film quasi corale che si svolge in pochi ambienti e nello spazio di poche ore, nel quale spiccano le interpretazioni delle eccezionali 3 non più giovanissime e non troppo famose Helena Carroll (’28), Cathleen Delany (’09) e Marie Kean (’18).
Molto teatrale, molto irlandese, ben diretto ed interpretato, un film da guardare (e ascoltare) con attenzione.