|
250 “Les enfants du paradis“ (Marcel Carné,
Fra, 1945) tit. it.
“Amanti perduti” (sic!) * con Arletty, Jean-Louis Barrault, Pierre
Brasseur (padre di Claude)
Questo film dalla produzione molto
travagliata a causa dell’occupazione tedesca e dei limiti imposti
dal governo di Vichy, è il penultimo degli 8 frutto della
collaborazione fra il regista Marcel Carné e il poeta e autore
Jacques Prévert che curava sceneggiatura e dialoghi.
Le oltre 3 ore sono divise in due
parti “Le Boulevard du crime” e “L’Homme blanc” con gli stessi
personaggi, ma eventi rappresentati si svolgono a distanza di una
mezza dozzina di anni dopo. Il dramma si sviluppa nella prima metà
dell’800 a Parigi, nell’ambiente teatrale, fra pantomime e acrobazie
di saltimbanchi, circensi di ogni sorta e malviventi. I personaggi
principali sono Garance (una provocante donna le cui qualità
teatrali sono quasi esclusivamente realtive al suo aspetto) e i suoi
4 pretendenti, di carattere e provenienza molto diverse. A loro si
aggiunge Nathalie (l’esordiente Maria Casarès) follemente innamorata
di uno dei 4, con il quale divide il palcoscenico.
Film molto ben realizzato e
interpretato, che oggi può essere apprezzato nella versione
integrale grazie a un ottimo restauro realizzato dalla Pathé nel
2012..
IMDb 8,3 RT 97% * Nomination
Oscar per sceneggiatura originale
In Italia arrivò a settembre ’46 a
Venezia (dove ottenne il Premio della Critica Internazionale), ma
nelle sale italiane solo nel 1950
NB - Il “paradis” del titolo è il
loggione (o piccionaia che dir si voglia)
249 "Zootopia“ (Peter Glenville, USA, 1989) tit. it. “Zootropolis” *
animazione
Basandomi su quanto avevo sentito mi
aspettavo molto di meglio. Non mi sembra che abbia una solida presa
di posizione in merito all’eguaglianza, non discriminazione e
pacifica convivenza, proponendo banali caratterizzazioni di molte
specie. In alcuni casi si vogliono sovvertire stereotipi ed altri si
calca la mano. I disegni non mi sembrano un granché, si è badato
troppo alla spettacolarizzazione delle scene.
Certamente non è del tutto malvagio
e alcune idee sono creative e divertenti nel corso della trama molto
articolata e piena di sorprese.
In relazione ai recenti Oscar per
l’animazione, non vale né Inside Out (2016), né Coco (2018), né
Moana (2017) al quale fu preferito.
IMDb 8,0 RT 98% * Oscar miglior film
d’animazione 2017
PS - Nel cambio titolo
Zootopia-Zootropolis si è perso anche il gioco di parole con sottile
significato.
248 "The Comedians“ (Peter Glenville, Fra/USA, 1989) tit. it. “I
commedianti” * con Richard Burton, Elizabeth Taylor, Alec Guinness,
Peter Ustinov
Scadente versione cinematografica di
un buon romanzo di Graham Greene, comunque non fra ii suoi migliori.
La regia fu affidata all’insipido Peter Glenville che non è riuscito
a lasciare alcun ricordo notevole né come attore (9 film), né come
regista (7 film, questo fu il suo ultimo) pur avendo conseguito una
Nomination Oscar per la regia di “Beckett” (1965) ma si trattava di
una produzione complessivamente più che buona, che da 12 Nomination
ottenne però solo l’Oscar per la sceneggiatura.
Per questa produzione
franco-americana Graham Greene stesso adattò il suo romanzo (lo
ridusse, come è normale, ma forse lo edulcorò troppo) e soprattutto
ne cambiò il finale, rendendolo meno negativo. Da ciò sorsero varie
polemiche e, complice la qualità non eccellente della narrazione
cinematografica e per dare troppo peso alla parte romantica che
distrae dal clima di terrore imposto dalla dittatura di Papa Doc
Duvalier per mano dei suoi famigerati Tonton Macoute, il film non fu
ben accolto dalla critica.
Il cast include vari attori famosi
ma nessuno sembra essere particolarmente in vena e quasi tutti sono
poco convincenti in questo film. Oltre alle “stelle” c’è chi era una
star del muto (Lillian Gish) e il giovane James Earl Jones, al suo
secondo film dopo la partecipazione a “Dr. Stranamore”, 3 anni
prima, che successivamente sarebbe divenuto un volto noto anche in
tv, nonché voce di Darth Vader nella saga di Star Wars.
Consiglio spassionato: evitate il
fil e leggete il libro.
IMDb 6,5 RT 27%
247 "Las cosas del querer“ (Jaime Chávarri, Spa, 1989) tit. it.
“Le cose dell’amore” * con Ángela Molina, Ángel de Andrés López,
Manuel Bandera
Quasi un film musicale, che per
certi versi (soprattutto per la struttura) mi ha ricordato “The
Fabulous Baker Boys” (1989) con i fratelli Bridges e Michelle
Pfeiffer. In questo caso, però, siamo nei primi anni ’40, appena
dopo la guerra civile spagnola e l’avvento al potere del
Generalisimo Francisco Franco. I due (uno pianista e l’altro
cantante) non sono fratelli ma solo amici, la cantante (Angela
Molina) la incontrano per caso. Non senza difficoltà arrivano ad un
buon successo, ma la gelosia del pianista (amante della cantante) e
l’onnipresente suocera creano non pochi problemi di convivenza. “Per
fortuna” non c’è rivalità fra i due amici in quanto l’altro è
omosessuale e quindi i suoi problemi sono solo con l’intolleranza
della dittatura.
Le canzoni interpretate sul
palcoscenico dai due, sia in coppia che da soli, sono piacevoli e
allusive come era normale visto che si trattava di avanspettacolo.
Per lo più coplas e qualche ritmo flamenco, ma di quelli più
popolari ... pur essendo un discreto conoscitore di musica spagnola
ho ascoltato un solo pezzo - e che pezzo - famoso: “La bien paga’”.
Diventa così una discreta miscela
composta da un po’ di musica, un po’ di ambiente teatrale popolare,
un po’ di problemi politici, un po’ di love story, un po’ di temi
omosessuali.
La conoscenza dello spagnolo ed in
particolare della canzone andalusa aiuta molto, ma non è
indispensabile.
IMDb 6,9 RT 71%
246 "Chimes at Midnight“ (Orson Welles, Spa/Svi, 1965) tit. it.
“Falstaff” * con Orson Welles, Keith Baxter, John Gielgud, Margaret
Rutherford
Nel suo girovagare per il mondo e
fra i soliti litigi con i produttori, Orson Welles andò a girare
questo film in Spagna, con maestranze per lo più locali e con un
cast internazionale nel quale, oltre ai protagonisti, ci sono anche
lo spagnolo Fernando Rey, le francesi Marina Vlady e Jeanne Moreau e
l’italiano Walter Chiari.
Questa sua rivisitazione e miscela
di opere di Shakespeare fece molto discutere all’epoca e fu accolta
in modo molto vario, con numerosissime critiche. Non di facile
approccio sia per il troppo parlare (per un film) e soprattutto con
un vocabolario classico e obsoleto, solo con il tempo è stato ben
analizzato e rivalutato e attualmente molto critici lo pongono fra i
migliori film di Welles, sia come regista che interprete.
In “Campanadas de medianoche” (tit.
or. spagnolo) succede poco, essendo quasi teatrale, eppure Welles vi
ha inserito 6 minuti di cruenta e continua battaglia che sono
diventati un vero cult e quasi un’opera d’arte a sé costruita con un
montaggio sopraffino.
Ovviamente abbondano anche le
riprese dal basso, le luci “teatrali”, i primi piani.
Ne esiste una versione restaurata e
masterizzata.
In conclusione, è molto ben
realizzato e merita certamente una visione, nonostante l’handicap
della vocabolario shakespeariano molto particolare che può rivelarsi
un vero ostacolo.
IMDb 7,9 RT 97%
2 Premi speciali e Nomination Palma
d'Oro a Cannes 1966
245 "Amor a la vuelta de la esquina“ (Alberto Cortés, Mex, 1986)
trad. lett. “Amore dietro l’angolo” * con Gabriela Roel, Juan Carlos
Colombo, Emilio Cortés, Alonso Echánove
Altra opera prima di un regista
messicano che tuttavia non ha avuto neanche lontanamente le carriera
di Ripstein. Buono lo stile, con la storia raccontata molto per
immagini (in modo chiaro), con dialoghi ridotti all’osso
Pluripremiato in Messico per regia, interpretazione, opera prima,
cinema sperimentale.
Un buon esercizio, segnalato fra i
primi 100 film messicani (lista della rivista Somos, del 1994 , al
72° posto)
IMDb 7,2
244 "Tiempo de morir“ (Arturo Ripstein, Mex, 1965) trad. lett.
“Tempo di morire” * con Marga López, Jorge Martínez de Hoyos,
Enrique Rocha, Tito Junco
Primo lungometraggio di Arturo
Ripstein, uno dei più stimati e rispettati (a livello mondiale)
registi messicani viventi pur essendo molto poco convenzionale, che
con questo film diventò il più giovane regista a dirigere un
lungometraggio. Dopo oltre 50 anni, ancora oggi è sulla breccia
(75enne), il suo film più recente è “La calle de la amargura”
(2015), Nomination Queer Lion a Venezia, dove fu presentato fuori
concorso.
Per saperne di più:
http://www.cineblog.it/post/650143/venezia-2015-la-calle-de-la-amargura-recensione-in-anteprima
Gabriel García Márquez è l’autore
del soggetto di questa bella “brutta storia” e lui stesso lo adattò
a sceneggiatura insieme con Carlos Fuentes. Per alcuni versi
richiama (anche nel titolo) l’essenza di “Cronaca di una morte
annunciata” (romanzo del 1981, poi portato sullo schermo da
Francesco Rosi nel 1987) anche se in questo caso si vuole uccidere
per vendetta e non per onore.
Ripstein (essendo figlio del grande
produttore Alfredo Ripstein hijo, o Jr.) era praticamente cresciuto
in mezzo ai set cinematografici e già nel 1962 era stato (uncredited)
assistente di Luis Buñuel per “El ángel exterminador”. Grazie al
padre (che produsse il film) poté contare anche su un ottimo
direttore della fotografia quale Alex Phillips (200 film) il quale,
come lui, aveva già collaborato con Buñuel e tutti i migliori
registi della Epoca de Oro.
Pur classificato come “western” è
una storia tutta messicana, che si svolge in un piccolo pueblo dalle
strade assolate e deserte, fiancheggiate da classiche case con patio
e cantine, nei dintorni ranch e allevamenti di cavalli, unico mezzo
di trasporto. Alla fine ci sarà il tanto atteso scontro a fuoco ...
chi sopravviverà?
Buona attuazione, ottima regia
(specialmente se si considera che si tratta di un’opera prima),
eccellente fotografia.
IMDb 7,4 RT 100%
NB - "Tiempo de morir“ è stato
riproposto in versione restaurata a Cannes Classics 2016 (la trovate
in rete), in occasione del 50° anno dell’uscita di questa pellicola
di esordio di Ripstein. Nel caso lo cerchiate, accertatevi di
guardare questo e non il remake del 1985, diretto dal regista
colombiano Jorge Alí Triana, con Gustavo Angarita come protagonista.
243 " Our Man in Havana “ (Carol Reed, UK, 1959) tit. it.
“Il nostro uomo all’Havana” * con Alec Guinness, Maureen O'Hara,
Ernie Kovacs, Burl Ives
L’omonimo romanzo di Graham Greene è
particolare per essere uno dei meno drammatici, più divertenti,
quasi surreale, una chiara presa in giro dei servizi segreti di
tutti il mondo e delle spie, tutt'altro che superuomini, con uno
humour molto sottile. Ogni parola e ogni personaggio sono pensati e
pesati alla perfezione e non sono mai banali.
Vengono menzionate torture
(plausibili, ma non mostrate), portasigarette in pelle umana (fatto
non certo), sparatorie, avvelenamenti, incidenti (sospetti) d'auto e
aereo, piani di impianti militari segreti, ma molto non è
esattamente ciò che sembra, a cominciare dai vari protagonisti
dell’intricata vicenda.
Avrete ben compreso che Carol Reed
si trova a dirigere un'ottima dark comedy ambientata ovviamente a
Cuba e girata sul posto, appena prima dell’arrivo di Castro, quando
all’Havana si viveva in un clima cosmopolita, con grandi contrasti
fra il lusso e la povertà, ma già in un gran fermento politico. Non
a caso proprio in apertura viene ricordato che “This film is set in
Cuba, before the recent revolution”, infatti fu girato nel 1958 ma
giunse nelle sale solo l’anno successivo, dopo la fuga del dittatore
Fulgencio Batista avvenuta ill 1° gennaio 1959.
Anche il romanzo, comunque, è del
1958 e quindi Greene, come chiunque altro, ben sapeva come andavano
le cose nella capitale cubana. Altro elemento da sottolineare e
ricordare è che lo stesso scrittore per un certo periodo lavorò per
i servizi segreti britannici noti con l’acronimo MI6 ((Military
Intelligence, Sezione 6).
Devo tuttavia dire che in questo
caso passando dal romanzo al film si perdono parecchie deliziose
descrizioni di situazioni e personaggi. Avendone la possibilità,
leggete anche il libro, pur sapendo come va a finire.
Comunque da non perdere, anche per
gli attori che recitano attorno ad Alec Guinness, come Ernie Kovacs
nei panni del famigerato capitano Segura (dal sinistro soprannome
“The Red Vulture”) e Burl Ives nel ruolo del dottore di origini
tedesche che conserva ancora la sua divisa di ufficiale prussiano.
IMDb 7,2 RT 76%
242 " The Third Man “ (Carol Reed, UK, 1949) tit. it.
“Il terzo uomo” * con Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli,
Trevor Howard
Film inserito quasi da chiunque
nelle liste dei migliori film non solo dell’epoca o del genere, ma
anche quelle assolute (130° su IMDb).
L’accoppiata Carol Reed/Graham Green
in questo caso si avvale anche di un cast di eccezione, potendo
contare su Orson Welles (che tuttavia compare in un numero limitato
di scene), Joseph Cotten nei panni del protagonista, Alida Valli,
Trevor Howard e caratteristi come Bernard Lee, presente anche nel
precedente “The Fallen Idol”.
La fotografia è molto particolare,
un bellissimo bianco e nero con fortissime luci quasi orizzontali
che proiettano ombre lunghissime, specialmente negli esterni di una
Vienna che sfoggia in parte ricche facciate di edifici ed in parte
cumuli di macerie, riprese esaltate anche dalle drammatiche
inquadrature oblique. Come ciliegina sulla torta arrivò anche Anton
Karas, suonatore di zither (cetra da tavolo) non professionista, che
non aveva mai composto in precedenza. Reed gli propose di comporre
il commento musicale e quasi lo sequestrò per costringerlo a
completarlo. Il singolo del famosissimo tema di Harry Lime (aka “The
Third Man” theme) rimase ai primi posti della hit parade per molte
settimane sia in UK che in USA. Chi non lo conosce (probabilmente
solo non sa che è quello) lo può ascoltare qui
https://www.youtube.com/watch?v=C5ZnzNCXgLY
IMDb 8,2 RT 100% * Oscar per
la fotografia oltre a 2 Nomination (regia e montaggio) - Grand Prix
a Cannes per la regia * al 130° posto nella classifica
IMDb dei migliori film di tutti i tempi
241 "The Fallen Idol“ (Carol Reed, UK, 1948) tit. it.
“Idolo infranto” * con Ralph Richardson, Michèle Morgan, Sonia
Dresdel
Questo è il primo dei 3 film diretti
da Reed conn storia e sceneggiatura di Graham Greene. "The Fallen
Idol“ (tratto dalla short story “The Basement Room”) si svolge per
lo più in una enorme ambasciata a Londra, in un paio di giorni
durante i quali restano nell’edificio solo maggiordomo e governante
(marito e moglie), che dovrebbero anche prendersi cura del figlio
dell’ambasciatore, più o meno pestifero e un gran bugiardo (anche se
in molti casi pensa di far bene). Aggiungete i pessimi rapporti fra
i due coniugi, un’amante, un incidente e le conseguenti indagini
della polizia e, grazie alla penna e alla genialità di Greene, ne
scaturisce un ottimo thriller “familiare”.
Certamente contribuiscono la regia
di Carol Reed (con ottime scelte di inquadrature sia per gli
interni, sia per le strade deserte di Londra di notte, quasi una
prova generale per quelle della Vienna rappresentata nel successivo
“The Third Man”), la fotografia e i protagonisti fra i quali si
distinguono Ralph Richardson nei panni del maggiordomo Baines e il
giovane Bobby Henrey (9 anni all’epoca) che tuttavia sarebbe apparso
in un solo altro film.
Più che consigliato!
IMDb 7,8 RT 100%
2 Nomination Oscar (regia e
sceneggiatura, tratta dalla short story “The Basement Room”) -
miglior sceneggiatura e Nomination Gran Premio Internazionale a
Venezia
240 "Brighton Rock“ (John Boulting, UK, 1947) * con Richard
Attenborough, Hermione Baddeley, William Hartnell
La regia non è certo malvagia e
anche le interpretazioni sono più che buone, ma è l’eccezionale
sceneggiatura a farne un grande film. Tratta dal romanzo omonimo di
Graham Greene (che collaborò anche all'adattamento cinematografico)
fornisce corpo e sostanza, con i suoi tanti colpi di scena, con i
tempi perfetti, le opportune coincidenze. Mi si può anche accusare
di essere di parte, ma i film tratti dai lavori di Graham Greene
sono sempre buoni e, quando non sono ottimi, le colpe ricadono
inevitabilmente su regista e/o attori.
Un giovane Richard Attenborough (il
cui sguardo ricorda tanto Peter Lorre) interpreta Pinkie, malvivente
di basso rango che si atteggia a boss, Estremamente buono il finale
nel suo complesso, con gli ultimi secondi che sono veramente
geniali, la firma di un grande autore di short stories (anche se
"Brighton Rock“ è un romanzo).
I personaggi sono ben descritti,
oltre ai protagonisti, si fanno notare i membri della scalcagnata
gang ma su tutti emerge la più che pertinace Ida Arnold
(interpretata da un’ottima Hermione Baddeley) una vera maledizione
per Pinkie!
Nel 2010 ne fu prodotto un remake,
diretto da Rowan Joffe ... chiaramente di gran lunga inferiore.
Oltre a consigliare la visione del
film del 1947, suggerisco di leggere anche il libro, possibilmente
in edizione originale.
IMDb 7,4 RT 100% - Miglior regista e
Nomination Palma d’Oro a Cannes
239 "Affaires publiques“ (Robert Bresson, Fra, 1934) * con Beby,
Andrée Servilanges, Marcel Dalio
Concludo il ciclo completo di
Bresson tornando all’antefatto ... questo suo short (rimasto l’unico
della sua filmografia) fu girato 9 anni prima del suo film d’esordio
“Les anges du péché” (1943). Si tratta, incredibilmente, di una
slapstick comedy di appena 25’.
Si guarda giustp per curiosità,
praticamente non ha niente a che vedere con la sua ottima produzione
successiva.
IMDb 6,3
238 "L'Argent“ (Robert Bresson, Fra, 1983) * con Christian Patey,
Sylvie Van den Elsen, Michel Briguet
Questo tredicesimo e ultimo lungometraggio di Bresson inizia
seguendo i passaggi di mano di una banconota falsa da 500 franchi
(il titolo del racconto di Tolstoj da cui è tratto adattato è
proprio "Denaro falso", aka “La cedola falsa”) anche se ben presto
questa si perde di vista, ma solo dopo aver avviato una serie di
reazioni inopportune, bugie e accuse. Queste, a loro volta,
innescano una escalation che porterà a crimini ben più seri del
"semplice" spaccio di monete contraffatte.
Nessuno dei protagonisti si rivela essere un "santo" e molti non
solo tentano di tirarsi fuori dai guai (comprensibilmente, però con
modi certamente non giustificabili), ma anche di trarre vantaggio
dalla scottante situazione.
Ancora una volta una storia ben raccontata per immagini, senza che
nessuno dei protagonisti sia meritevole della piena simpatia del
pubblico.
Dirigendo questo film a 82 anni, praticamente si congedò dal mondo
del cinema che gli avrebbe comunque tenuto ancora in gran
considerazione attribuendogli vari premi, fra i quali il Leone d’Oro
alla carriera (Venezia 1989). Muore nel 1999, a 98 anni.
IMDb 7,5 RT 96% - Miglior regista e Nomination Palma d’Oro a Cannes
237 "Le diable probablement“ (Robert Bresson, Fra, 1977) tit. it.
"Il diavolo probabilmente“ * con Antoine Monnier, Tina Irissari,
Henri de Maublanc
Film di taglio molto diverso dagli altri, ambientato nella Parigi
degli anni ’70, quando si viveva ancora l'onda lunga del '68
parigino fra, proteste, conferenze su temi politici, ideologici,
sociali. Fra discorsi, presentazioni, filmati e immagini di
repertorio si tirano in ballo e si mostrano soprattutto le posizioni
degli ambientalisti dell'epoca, con problematiche in buona parte
identiche a quelle attuali, in merito a inquinamento, uso del
nucleare, gestione dei rifiuti, contaminazione, ma ci sono anche
riferimenti alla psicoanalisi, nonché alla solita religione.
A margine di tutto questo fermento giovanile, Bresson pone i
travagliatissimi rapporti fra i giovani protagonisti, ancora una
volta personaggi poco integrati, dai comportamenti quasi asociali,
senz'altro abbastanza confusi, ma certamente ben diversi dalla
gioventù “di campagna” proposta in vari film precedenti.
Un interessante variazione per Bresson che comunque dirige con il
suo solito stile.
IMDb 7,3 RT 83% - 3 Premi e Nomination Orso d’Oro a Berlino
236 "Lancelot du Lac“ (Robert Bresson, Fra, 1974) tit. it.
"Lancillotto e Ginevra“ * con Luc Simon, Laura Duke Condominas,
Humbert Balsan
Come è chiaro dal titolo, la figura centrale è Lancillotto (famoso
più che altro per la sua storia d’amore con la regina Ginevra e per
essere l’unico ad aver visto il Graal) che tuttavia non compare
nelle prime cronache arturiane ma venne introdotto solo
successivamente da Chrétien de Troyes (vissuto fra il 1130 e il
1190).
Questa famosa saga generalmente ampiamente sconosciuta nei suoi
dettagli (i “cavalieri della tavola rotonda” variano da 12 a 150 e
ci si perde fra omonimie diversi modi di scrittura e (im)probabili
parentele) e quindi non c’è da meravigliarsi per quanto racconta
Bresson, del resto quasi tutto ciò che si sa è più prossimo alla
leggenda che alla storia. Il lato estremamente avvincente e
affascinante è in questo caso il modo di proporlo in immagini,
esasperando le inquadrature dei particolari, di parti di corpi di
uomini e cavalli, rumori che raccontano chiaramente quanto accade
anche se non si mostra, fra clangore di armi, colpi di lancia,
nitriti e galoppare dei cavalli. Bresson monta una serie di
garretti, zoccoli, schizzi di sangue e teste mozzate di netto,
copristinchi e copriginocchia delle armature, staffe e speroni,
scudieri, PP di occhi dei cavalli, lance e conclude con una serie di
riprese di un cavallo che continua a correre nel bosco, anche se non
ha più cavaliere.
Certamente la produzione avrà certamente sui costumi mostrando i
cavalieri quasi esclusivamente coperti dall’armatura e spesso
inquadrandoli solo dal bacino in giù.
Consiglio senz’altro una visione attenta di "Lancelot du Lac“, ma
non aspettatevi niente di simile a ciò che avete già visto!
IMDb 7,4 RT 94% - Premio FIPRESCI a Cannes
PS - Guardando questa trasposizione cinematografica inusuale di
avvenimenti relativi al ciclo arturiano, mi sono tornati in mente
altri approcci non convenzionali sia alla saga dei cavalieri della
tavola rotonda che alla ricerca del sacro Graal: “Perceval le
gallois” (Eric Romher, Fra, 1978); l’originalissimo film a tecnica
mista stop motion/attori reali "Il cavaliere inesistente" (Pino Zac,
Ita, 1969, tratto dall’omonimo romanzo di Italo Calvino) e il molto
più conosciuto “Monty Python and the Holy Grail” (Terry Gilliam e
Terry Jones, UK,1975). Mi riprometto di guardarli nuovamente in
serie, ma devo prima recuperare “Perceval le gallois” visto solo una
volta 40 anni fa e da allora non ne ho mai sentito più parlare.
235 "Quatre nuits d'un rêveur“ (Robert Bresson, Fra, 1971) tit. it.
"Quattro notti di un sognatore“ * con Isabelle Weingarten, Guillaume
des Forêts, Jean-Maurice Monnoyer
Subito dopo "Une femme douce“ Bresson mette in scena un altro
racconto di Fyodor Dostoevsky, "White Nights", già precedentemente
adattata per il cinema e resa famosa in Italia da Luchino Visconti
nel 1951, con il titolo originale “Le notti bianche”.
Una storia di amori non certi e altri non corrisposti, una intricata
vicenda che per certi versi è molto simile a quella che Bresson
proporrà 6 anni più tardi in "Le diable probablement“. Però, in
questo caso, più che l’indecisione l’elemento centrale è l’attesa.
Buon film, ma poco coinvolgente.
IMDb 7,6 RT 89% - Premio e Nomination Orso d’Oro a Berlino
234 "Une femme douce“ (Robert Bresson, Fra, 1969) tit. it.
“Così bella, così dolce” * con Dominique Sanda, Guy Frangin, Jeanne
Lobre
Primo film a colori di Bresson, che stavolta adatta a sceneggiatura
(uncredited) un racconto di Fyodor Dostoevsky.
Ho ritrovato serie di inquadrature scelte meticolosamente, riprese
di particolari per il tutto, inquadrature fisse con il protagonista
di turno che si avvicina alla camera passando così da una figura
intera ad un inconsueto mezza figura / piano americano poiché, non
muovendo la macchina né cambiando focale, l’attore resta il campo
più o meno dalle ginocchia al busto ... senza piedi e senza testa.
La storia è raccontata alternando flashback alla preparazione del
funerale della giovane suicida (non è uno spoiler in quanto il fatto
accade in apertura di film) e conta quasi esclusivamente su tre
personaggi.
Anche in "Une femme douce“ Bresson si affida ad attori non (ancora)
professionisti e stavolta lancia l’esordiente Dominique Sanda. Da
notare che questo sarà l’unico film Guy Frangin (che interpreta il
marito) mentre Jeanne Lobre (la governante, esordiente a 69 anni)
comparirà in altri 5 film, tutti degli anni ’70. La recitazione è
volutamente abbastanza piatta, proprio come pretendeva Bresson.
IMDb 7,7 RT 100%
233 "Mouchette“ (Robert Bresson, Fra, 1967) tit. it. “Tutta la vita
in una notte” * con Nadine Nortier, Jean-Claude Guilbert, Marie
Cardinal
Anche questo film è adattamento di un romanzo di Bernanos, autore
anche di “Journal d'un curé de campagne”, ma ambiente, personaggi,
bullismo, contrasti famigliari, piccoli reati e giovani donne
abbastanza “confuse” mi ricordano molto “Au hasard Balthazar“
dell’anno prima e, come quest’ultimo, mi ha parzialmente deluso.
Pare che, almeno in questo caso, io non sia il solo a vedere il
questo film un calo di qualità rispetto ai precedenti film.
IMDb 7,8 RT 87%
232 " Coco“ (Lee Unkrich, USA, 2017) * animazione
Nuova visione (su richiesta), a meno di un anno dall’uscita di
questo ottimo film di animazione, un vero omaggio alla cultura
messicana. Chi ne sa abbastanza in merito lo può apprezzare molto di
più, ma è certamente godibile da chiunque. Uno dei migliori degli
ultimi anni, sia per creatività che per realizzazione.
Mi è molto piaciuto anche stavolta, comunque
rimando a quanto scrissi a novembre scorso, appena uscito in Messico,
.
IMDb 8,4 RT 97% * 2 Oscar per miglior film d’animazione e
miglior canzone (Recuerdame) * altri 95 premi e 36 Nomination * al
63° posto della classifica IMDb dei migliori film di sempre
231 " Au hasard Balthazar“ (Robert Bresson, Fra, 1966) * con Anne
Wiazemsky, Walter Green, François Lafarge
Nonostante sia esaltato da tanti - molti lo giudicano addirittura il
migliore di Bresson - questo film è quello che mi è piaciuto di meno
fra quelli visti finora. L’ho trovato slegato, pieno di personaggi
improbabili che agiscono in modo scriteriato, perfino l’asino
Balthazar. Troppi i salti temporali con situazioni che cambiano
radicalmente lasciando allo spettatore una infinita scelta di
possibili cause. La varietà di comportamenti insensati, che non
portano alcun beneficio, mi è sembrata eccessiva, strana in un paese
di campagna di metà secolo scorso, quando esistevano ancora molte
persone di buonsenso.
Pur comprendendo che l’intenzione di Bresson era chiaramente quella
di proporre un’allegoria (qualcuno l’he definita parabola, altri
metafora), ammetto di non essere riuscito a coglierne l’esatto
significato, anche leggendo successivamente le varie interpretazioni
(spesse contrastanti fra loro) dei tanti critici che vedono nella
vita dell’asino di tutto e di più, spiegando ogni singola situazione
da un punto di vista sociologico, filosofico, religioso ... mi
sembrano elucubrazioni fini a sé stesse.
Esordio per Anne Wiazemsky, che avrebbe poi lavorato con tanti
registi non proprio “convenzionali” come Pasolini, Ferreri e Godard,
nonché divenuta moglie di quest’ultimo.
IMDb 7,9 RT 100% *
4 Premi a Venezia oltre alla Nomination Leone d'Oro
230 "Procès de Jeanne d'Arc “ (Robert Bresson, Fra, 1962) tit. it.
"Processo a Giovanna d'Arco“ * con Florence Delay, Jean-Claude
Fourneau, Roger Honorat
Saltando nell’ordine cronologico di “Un condannato a morte è
fuggito” e “Pickpocket”, visti in precedenza, passo direttamente
all’altro film “religioso” di Bresson, in questo caso anche storico
in quanto molto fedele agli atti del processo subito da Giovanna
d’Arco.
Guardando questo film, è impossibile non tirare in ballo "La
passione di Giovanna d'Arco" (T. H. Dreyer, 1928) che propone
praticamente gli stessi eventi: prigionia, processo ed esecuzione
della “pulzella d'Orleans”. Seppur basati entrambe sugli stessi
documenti giunti fino a noi, il taglio dato dai due registi è ben
diverso fra loro e non solo per l'ovvio fatto di essere uno muto con
cartelli e l'altro parlato.
Le impressionanti sequenze di primi e primissimi piani di Dreyer
contrastano con il minimalismo di Bresson, indiscusso maestro del
genere. Per la cronaca, il regista francese con il suo film non
volle rendere omaggio al collega danese (da lui apertamente
criticato) ma volle proporre una rappresentazione nel suo proprio
stile fornendo anche tutt'altra lettura di quei drammatici eventi,
già di per sé condizionati da tante implicazioni politiche e
religiose, peraltro mai del tutto chiarite. Gli spettatori attenti
(di quelli che ambiscono a cogliere il senso dei dialoghi e degli
interrogatori) dovrebbero approfondire lo studio dello scontro di
ideologie e di prassi, fra poteri temporali e religiosi (di diverse
regole), le tensioni fra francesi e inglesi in piena Guerra dei
cent’anni, l’influenza del pur lontano Papa.
Robert Bresson è lo sceneggiatore unico di questo film nel quale
sono riportate fedelmente molte delle domande degli giudici
inquisitori e delle risposte fornite dalla giovane, successivamente
riabilitata e infine santificata.
IMDb 7,6 RT 100%
* 2 premi e Nomination Palma d’Oro a Cannes
229 "Journal d'un curé de campagne“ (Robert Bresson, Fra, 1951) tit.
it. "Il diario di un curato di campagna“ * con Claude Laydu, Nicole
Ladmiral, Jean Riveyre
Il primo dei due film veramente “religiosi” di Bresson (11 anni
prima di "Procès de Jeanne d'Arc “), una storia complicata tratta
dal più famoso romanzo (del 1936) di Bernanos, narrata, come si
evince dal titolo, dal punto di vista di un giovane prete di
campagna, al suo primo incarico. Pur trattando di una piccola
comunità, il sacerdote dovrà affrontare problemi di ogni sorta,
contrasti sociali, ostilità di molti parrocchiani, far fronte a
situazioni scabrose e prendere decisioni difficili, in vari casi
contrastato dal nobile locale e dal suo stesso superiore, limitato
dalle sue precarie condizioni di salute, nonché (ancor più
importante) dalla sua coscienza.
Attraverso l’adattamento del romanzo omonimo, Bresson descrive con
il suo solito stile minimalista il profondo travaglio spirituale del
giovane sacerdote, fra fede, religione e doveri verso la chiesa.
IMDb 8,0 RT 94%
* 4 premi a Venezia, oltre alla Nomination Leone d’Oro
228 "Les dames du Bois de Boulogne“ (Robert Bresson, Fra, 1945) tit.
it.
"Perfidia“ * con Paul Bernard, María Casares, Elina Labourdette
Dramma sentimentale, adattamento di un racconto di Denis Diderot
(filosofo del ‘700, enciclopedista, scrittore, uno dei massimi
rappresentanti dell'Illuminismo, amico e collaboratore di Voltaire),
impreziosito dai dialoghi di Jean Cocteau.
Un relazione che finisce apparentemente bene, un’opera buona che
salva due donne (madre e figlia) da debiti e vita equivoca, un amore
che nasce ... ma non tutto è ciò che sembra. Film fra i meno
conosciuti di Bresson, pur essendo molto apprezzato dalla critica.
Ben diretto, ben fotografato, ben interpretato. Forte anche del
soggetto di Diderot e dei dialoghi di Cocteau, merita senz’altro
un’attenta visione.
Una volta tanto, seppur cambiando completamente il significato di
quello originale, il titolo italiano descrive alla perfezione
l'essenza della storia film.
IMDb 7,4 RT 100%
227 "Les Anges du péché“ (Robert Bresson, Fra, 1943) tit. it.
"La conversa di Belfort“ * con Renée Faure, Jany Holt, Sylvie
Film d’esordio di Bresson
Dopo l'anticipazione di “Un condannato a morte è fuggito” e “Pickpocket”,
ho messo mano alla visione in ordine cronologico dell'intera
limitata filmografia di Bresson, appena 13 lungometraggi fra il 1943
e il 1983, il primo è quindi "Angeli del peccato", del quale fu
anche co-sceneggiatore. Non fatevi ingannare dal titolo e
dall'ambientazione in un convento di suore domenicane ... la
religione c'entra relativamente poco. Si tratta di un ben congegnato
dramma psicologico nel quale la regola conta ma le personalità
enigmatiche delle protagoniste e i loro fini sono gli elementi
fondamentali attorno ai quali si sviluppa e monta l'intera trama.
Questo ed il successivo sono i soli film di Bresson con un cast si
soli attori professionisti. La fotografia è particolarmente precisa
e curata, evidente retaggio degli trascorsi del regista come pittore
e fotografo.
Girato in pieno periodo di guerra, giunse in Italia solo nel 1950
come "La conversa di Belfort“.
Un ottimo film d’esordio, in precedenza aveva diretto solo “Affaires
publiques” (1934 - un corto di 25 minuti, stranamente una commedia)
e aveva collaborato a varie sceneggiature.
IMDb 7,6 RT 83%
226 "Kurutta kajitsu“ (Kô Nakahira, Jap, 1956) tit. int. “Crazed
Fruit”, tit. it. "La stagione del sole“ * con Yûjirô Ishihara,
Masahiko Tsugawa, Mie Kitahara
Si tratta dell’adattamento dell’omonimo romanzo di Shintaro Ishihara
(anche la sceneggiatura è sua), personaggio poliedrico appartenente
ad una delle famiglie giapponesi più in vista (ministri, attori,
...) prolifico scrittore (vinse il più prestigioso premio letterario
giapponese ancor prima di laurearsi), regista, sceneggiatore,
giornalista, con una brillante carriera politica (deputato in varie
legislature) che lo portò ad essere Governatore di Tokio per 4
mandati consecutivi. La storia narrata nel romanzo e nel film si
svolge quindi in un ambiente che lui conosceva bene, di giovani
ricchi, viziati e irrequieti, dalla vita abbastanza sregolata, con
auto, motoscafi e barche a vela a disposizione. Tutto ben distante
dai temi portati sullo schermo nei decenni precedenti, un sguardo
cinico verso l’americanizzazione dei gusti e stili di vita dei
giovani nipponici. Chiaramente fu molto discusso e sollevò molto
scalpore. François Truffaut fu entusiasta del film e lo raccomandò
alla Cinematheque.
Yûjirô Ishihara, fratello minore dell’autore, interpreta il ruolo
del maggiore dei due fratelli rivali in amore, e con questo suo
secondo film (aveva esordito nello stesso anno in “La stagione del
sole”, tratto dal più famoso romanzo di suo fratello Shintaro),
divenne immediatamente un’icona dei film di giovani ribelli
giapponesi (quasi un James Dean nipponico) per poi passare ad essere
famoso interprete di film d’azione.
Venendo al film in sé e per sé, molto lo giudicano precursore del
nuovo cinema giapponese degli anni ’60 e in esso vedono anche uno
stile che riporta alla Nouvelle Vague francese. Ne furono realizzati
2 remake, il primo nel 1968 con titolo “Kuang lian shi” (“Summer
Heat”) ed il secondo nell’81con stessi titoli del ‘56, sia in
giapponese che in inglese.
Visto in questa ottica complessiva è giustamente reputato una pietra
miliare ed un momento di svolta nella cinematografia del paese del
sol levante.
Pur essendo essenziale e non contando su attori d’esperienza è senza
dubbio ben realizzato e merita una visione.
IMDb 7,2 RT 100%
225 “The Birds” (Alfred Hitchcock, USA, 1963) tit. it.
"Gli uccelli“ * con Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy
Certamente è uno dei più famosi film di Hitchcock, ma è altrettanto
sicuro che è ben lontano dai livelli dei veri thriller per i quali
il regista sarà sempre ricordato. Forse fa paura a qualcuno, ma non
c’è mai né vero terrore e tantomeno suspense ... solo in alcuni
momenti un senso di opprimente attesa di un evento che sembra
ineludibile e del quale non si comprendo i motivi. A me non è mai
piaciuto più di tanto ma l’ho ri-proiettato a richiesta di una
persona quasi ornitofoba che voleva superare il rifiuto di guardare
gli uccelli perfino sullo schermo (almeno quelli aggressivi ed in
grande quantità come in questo caso).
I dialoghi fra i protagonisti sono abbastanza scadenti e personaggi
e situazioni sono più da commedia che da thriller. Anche quando si è
staccato da quest’ultimo genere (raramente) cimentandosi in commedie
come p.e. “The Trouble with Harry” (1955) Hitchcock ha fatto molto
di meglio. “The Birds” secondo me fallisce per essere un cocktail
mal riuscito, non essendo né thriller, né crime, né dramma, né
commedia, né horror, né suspense ...
In quanto alla
Nomination Oscar, essa mi sembra ridicola poiché, anche se nel
complesso impressionanti (per gli impressionabili), gli effetti
speciali sono palesemente mal realizzati.
Infine, fra gli
extra del dvd in mio possesso compare la scaletta e vari schizzi di
un finale alternativo, o meglio, semplicemente più lungo di quello
conosciuto in quanto la scena conclusiva si prolunga per vari
minuti. Ovviamente non dico come si conclude la versione ufficiale
(anche se molti lo sanno) e tantomeno cosa sarebbe dovuto succedere
nei minuti extra.
Volendo guardare un
film di Hitchcock, sceglietene un altro.
IMDb 7,2 RT 100%
* Nomination Oscar per gli effetti speciali
Due eccezionali film muti del 1920 "Il Golem" e "Caligari"
224 “Der Golem” (Carl Boese, Paul Wegener, Ger, 1920) tit. it. "Il Golem - Come venne al
mondo“ * con Paul Wegener, Albert Steinrück, Ernst Deutsch * IMDb 7,2 RT
100%
223 “The Cabinet of Dr. Caligari” (Robert Wiene, Ger, 1920) tit.
it. "Il gabinetto del dottor
Caligari“ * con Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher * IMDb 8,1 RT
100%
222 “The Sweet Hereafter” (Atom Egoyan, Can, 1997) tit. it.
"Il dolce domani“ * con Ian Holm, Sarah Polley, Caerthan Banks
La storia è semplice nella sua essenza, ma molto complicata
nell’analisi dei caratteri dei tanti che hanno sofferto più o meno
direttamente delle conseguenze di un incidente stradale nel quale
hanno perso la vita oltre 20 bambini. In un piccolo paese è normale
che tale evento si ripercuota sull’intera popolazione. L’avvocato
che si offre di condurre una causa collettiva avvicina genitori
delle vittime e adulti in qualche modo coinvolti e da tale
“indagine” si scopre che l’ambiente apparentemente tranquillo non
era in effetti proprio idilliaco.
Il regista (nato in Egitto da genitori armeni, cresciuto in Canada)
si è occupato anche della sceneggiatura, adattamento di romanzo di
Russell Banks.
Buone le interpretazioni nel complesso, fra esse spicca quella di
Ian Holm nei panni dell’ambiguo avvocato.
Il tema proposto e la soluzione (forzata da un protagonista del
dramma) solevano tante valutazioni di carattere universale,
comprensibili da tutti ma per fortuna sperimentate da pochi. Sul
modo di affrontare simili situazioni si potrebbe discutere
all’infinito e Egoyan ha il merito di proporre l’argomento con tatto
e non giungere a conclusioni assolute.
Buon film anche se, chiaramente, abbastanza deprimente.
IMDb 7,6 RT 100% *
2
Nomination Oscar (regia e sceneggiatura adattata) * 3
Premi per Egoyan a Cannes oltre alla Nomination per la Palma d'Oro.
221 “Imitation of Life” (Douglas Sirk, USA, 1959) tit. it.
"Lo specchio della vita“ * con Lana Turner, John Gavin, Sandra Dee
Sirk, regista poco apprezzato mentre era in attività e rivalutato
solo successivamente, mette molto bene in scena una sceneggiatura
drammatica che a primo acchito può sembrare la solita storia di
raggiungimento di obiettivi, con conseguenti fama e denaro, ma è ben
altra cosa. Mascherati dietro buoni sentimenti (per lo più comunque
basati su egoismo, prevaricazione e possessività) si trovano invece
incomprensioni, ricatti morali, prese di coscienza tardive,
ipocrisia, arroganza, arrivismo. L’ambiente apparentemente tutto
rose e fiori pian piano si rivela essere in effetti un covo di
vipere.
Apprezzatissimo dai critici della “vita di società”, tutta fatta di
formalismi con pochissima vera sincerità.
IMDb 7,9 RT 84% *
2 Nomination Oscar, entrambe per attrici non protagoniste: Juanita
Moore e Susan Kohner (madre e figlia nel film)
220 “Il tempo dei gitani” (Emir Kusturica, Yug/ Ita/UK, 1988) tit.
or. “Dom za vesanje” * con Davor Dujmovic, Bora Todorovic, Ljubica
Adzovic
Come precedentemente scritto, ho voluto guardare di nuovo questo
film di Kusturica subito dopo “Ho incontrato anche zingari felici”,
girato di 21 anni prima, in pieno regime Tito. L’ambientazione è
sostanzialmente la stessa e tranne che per alcuni cambiamenti
“tecnologici” dovuti al progresso, mentalità, tradizioni, leggi non
scritte, prevaricazione, sesso e alcool fuori controllo, coltellate,
povertà che contrasta con la ricchezza ostentata da altri, procedono
come sempre. L’era Tito era terminata, ma la Jugoslavia esisteva
ancora e solo un paio di anni più tardi sarebbe iniziata la sua
disgregazione, in parte rapida e quasi pacifica (Slovenia e
Croazia), in parte con lunghe e sanguinose guerre
fratricide/religiose. I gitani, zingari, rom o comunque li si voglia
chiamare, restavano una popolazione a sé con le loro usanze,
“leggi”, modi di vivere spesso nomadi, al limite della società
“civile” (?).
Specialmente nella seconda parte, con il viaggio in Italia del
protagonista, “Il tempo dei gitani” si distacca dall’ambiente chiuso
del villaggio jugoslavo e mostra il peggio dei rom, come se fossero
tutti malviventi, ma allo stesso tempo punta il dito sullo
sfruttamento dei minori.
Kusturica senza dubbio è stato molto influenzato da “Skupljaci perja”
(1967) ma si distacca molto dallo stile realistico di Aleksandar
Petrovic e, per film come questo, secondo me ciò è un punto negativo
in quanto quelli che sanno di meno non sempre riescono a distinguere
le parti oniriche e surreali dalle situazioni reali, ancorché
incredibili per molti. In questo modo si posiziona fra il
documentarismo e la favoletta con personaggi “strani” senza una
linea ben definita. Il regista bosniaco negli anni ’80 era un enfant
prodige, ottenendo Leone d'oro a Venezia con “Ti ricordi di Dolly
Bell?” (1981, film d’esordio), Palma d'oro a Cannes con “Papà... è
in viaggio d'affari” (1985) e con questo suo terzo film fu premiato
come miglior regista a Cannes, oltre alla Nomination per la Palma
d’Oro.
Personalmente, fra i due preferisco il film di Petrovic ma certo non
disprezzo quello di Kusturica. In ogni caso, date le numerose
similitudini, penso che sia opportuno guardarli entrambe e a breve
distanza di tempo fra loro. Non si potrà fare a meno di trarne
interessanti valutazioni, sia antropologiche che cinematografiche.
IMDb 8,3 RT 100% * Nomination Palma d’Oro e Premio come
miglior regista a Cannes 1989
219 “Ho incontrato anche zingari felici” (Aleksandar Petrovic, Yug,
1967) tit. or. “Skupljaci perja” (trad. lett.: Il compratore di
piume) * con Bekim Fehmiu, Olivera Katarina, Velimir 'Bata'
Zivojinovic
Dopo i due film di Ray in ambienti molto “americani” passo ad
un’altra coppia di tutt’altro genere, etnia, condizioni sociali. Il
regista Petrovic fu uno dei maggiori esponenti del quasi del tutto
sconosciuto neorealismo jugoslavo degli anni ’60, in pieno periodo
Tito. In questo film propone una storia quasi completamente
ambientata nei dintorni di Vojvodina, Serbia, dove vivevano numerosi
gruppi di “zingari”. Questo sembra essere stato il primo film
interpretato da membri di dette comunità, parlato nel loro idioma,
girato nei loro villaggi fra fango e poverissime case dall’aspetto
affascinante, con la sola aggiunta di pochi attori professionisti
come Bekim Fehmiu, bosniaco di Sarajevo; benché sconosciuto
all'epoca molti lo ricorderanno per essere poi stato l'Ulisse della
versione televisiva italiana dell'Odissea (1968), nella quale Irene
Papas era Penelope.
Il film ebbe immediatamente un enorme successo in patria e
all’estero, dove ottenne numerosi riconoscimenti importanti come il
Grand Prix a Cannes, e fu anche candidato all’Oscar come miglior
pellicola non in lingua inglese. “Skupljaci perja” quest’anno è
stato riproposto al Festival di Cannes in versione restaurata. In
questo articolo
https://www.festival-cannes.com/en/69-editions/retrospective/2017/actualites/articles/gypsy-songs-at-cannes-classics
è riportata un’intervista con Radmila Petrovic (che oggi cura le sue
opere di suo fratello Aleksandar, morto nel 1994) nella quale si
apprendono interessanti particolari, fra i quali anche il fatto che
la canzone principale del film (Djelem Djelem, del 1949) pur essendo
interpretata da Olivera Vuco (attrice, serba e non rom) acquisì
immediatamente enorme popolarità e nel 1971 fu ufficialmente
dichiarata “inno del popolo Rom” dai delegati del primo Congresso
Mondiale Rom svoltosi a Londra nel 1971.
Non tento nemmeno di accennare alla ricchissima trama, essendo
questa piena di tradimenti, passioni, duelli, feste, musica, fughe,
matrimoni, ubriacature, contrattazioni, centinaia di magliaia di
oche e milioni di piume.
Aleksandar Petrovic fu non solo il regista ma anche unico
sceneggiatore di questo film. Inevitabile la successiva nuova
visione de “Il tempo dei gitani” di Kusturica (1988) con tante
situazioni molto simili ... anche 20 anni più tardi.
Vi segnalo anche questa interessante recensione (con trama
dettagliata = spoilers)
http://www.ce-review.org/00/41/kinoeye41_partridge.html
IMDb 8,0 RT 90%
*
Nomination Oscar film straniero 1968 - Grand Prize of the Jury e
FIPRESCI, Nomination Palma d’Oro a Cannes 1967 - Nomination Golden
Globe film straniero 1969
218 “Bigger Than Life” (Nicholas Ray, USA, 1956) tit. it.
"Dietro lo specchio“ * con James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau
Film drammatico difficile da categorizzare ... c'è la quasi perfetta
famiglia americana, la scuola, la malattia, una nuova cura, una
progressiva aggressività del protagonista che tende alla psicopatia,
religione mal interpretata, singolari metodi didattici ... nel
complesso un si potrebbe definire un dramma familiare con momenti di
suspense, cambiamenti dovuti al sapere di avere pochi mesi di vita,
solidi legami affettivi.
Particolarmente buone le interpretazioni di James Mason, Barbara
Rush, mentre si nota che Walter Matthau è ancora “acerbo” (appena al
suo terzo film, avendo esordito l’anno precedente, già 35enne) . In
quanto alla regia si potrebbe dire: Nicholas Ray colpisce ancora,
sempre affidabile, non sbaglia un colpo!
IMDb 7,6 RT 93%
217 “In a lonely place” (Nicholas Ray, USA, 1950) tit. it.
"Il diritto di uccidere“ * con Humphrey Bogart, Gloria Grahame,
Frank Lovejoy
Ottimo noir che non avevo mai neanche sentito nominare, ma di quelli
senza gangster o criminali, con poca, anche se importante, presenza
della polizia. Interessante l'ambientazione hollywoodiana, con uno
sceneggiatore (Bogart) come protagonista, e attorno a lui agenti,
attori a fine carriera, attrici in cerca di un ruolo, produttori,
ecc.
L'instabile Dixon Steele (Bogart) è sospettato di omicidio e
nonostante la sua apparente indifferenza è sempre pronto a scatti di
ira violenta e (quasi) incontrollata che non fanno altro che
alimentare i dubbi su di lui. La immancabile love story complica
ulteriormente la situazione in un crescendo di tensione e suspense
fino a un intelligente finale.
Un gran bel film, magistralmente diretto da Nicholas Ray, regista
sul quale si può sempre contare.
IMDb 8,0 RT 97%
216 “O Brother, Where Art Thou?” ” (Joel Coen e Ethan Coen, USA,
2000) tit. it.
" Fratello, dove sei?“ * con George Clooney, John Turturro, Tim
Blake Nelson
Pur essendo un "ammiratore" dei Coen, devo dire che sono rimasto
abbastanza deluso da questo film. C’è qualche buono spunto, in
particolare i riferimenti al mitico Robert Johnson e la leggenda del
Devil’s crossroad (ma quanti non americani conoscono questa storia e
quindi colgono la citazione?) e a Baby Face (famoso rapinatore degli
anni ‘30 rappresentato in vari film il più famoso dei quali è
“Dillinger” - John Milius 1973 - Warren Oates è Dillinger e Richard
Dreyfuss Baby Face Nelson).Nel complesso mi è sembrato troppo
disunito, quasi una serie di gag assemblate alla bell'e meglio. Per
di più gli attori principali recitano sempre sopra le righe e non
offrono di certo le loro migliori performance. In particolare
Turturro, anche lui simpatico e apprezzato per alcune sue produzioni
e interpretazioni, sembra essere più del solito schiavo del suo
volto quasi deforme e del suo sguardo stralunato. Siamo ben lontani
dalle vere black comedies per le quali i Coen sono apprezzati come
il loro film di esordio Blood simple, e poi Fargo, ... fino a No
Country for Old Men.
Piacevole, ma silly e di second’ordine rispetto alla maggior parte
delle altre commedie degli stessi autori.
2 Nomination Oscar (sceneggiatura e fotografia), Nomination Palma
d'Oro a Cannes
IMDb 7,8 RT 77%
215 “Pickpocket” ” (Robert Bresson, Fra, 1959) tit. it.
"Diario di un ladro“ * con Martin LaSalle, Marika Green, Jean
Pélégri
Meno avvincente del precedente “Un condamné à mort s'est échappé” in
quanto troppo frequentemente si sofferma nel mostrare lunghe serie
di borseggi (letteralmente “pickpocket” significa “borseggiatore”,
non un generico “ladro”) con la voce del protagonista che talvolta
descrive le tecniche, altre volte le altalenanti sensazioni di
paura, orgoglio, timore, autocompiacimento, ...
Tutto ciò a discapito del sottile gioco del gatto con il topo
condotto dal commissario che lo tiene d’occhio, del legame con la
madre malata e del rapporto con la giovane Jeanne. Oltretutto, pur
mostrando tecniche di borseggio reali, per riprenderle in dettaglio
le mostra troppo evidentemente e sfacciatamente da rendere la
situazione abbastanza improbabile.
Resta comunque un buon film dallo stile impeccabile, con la
recitazione essenziale (spesso volutamente fredda) dei protagonisti,
tutti esordienti.
Trovato il canale giusto, mi metterò alla ricerca degli altri film
di Bresson fino agli anni ’60 che non ho avuto modo di guardare.
IMDb 7,8 RT 97% * Nomination Orso d'Oro a Berlino
214 “Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut”
” (Robert Bresson, Fra, 1956) tit. it. "Un condannato a morte è
fuggito“ * con François Leterrier, Charles Le Clainche, Maurice
Beerblock
Film rigoroso, meticoloso, con grande attenzione ai dettagli. Voce
narrante del protagonista che rende quindi il film un unico
flashback, dialoghi ridotti al minimo anche perché ai prigionieri
era ufficialmente vietato parlare fra loro.
Sceneggiatura basato sulla vera storia di André Devigny, partigiano
francese, che in un memoriale descrisse meticolosamente la sua
permanenza in prigione e il modo nel quale riuscì a fuggire dopo
essere stato condannato a morte dal tribunale militare d’occupazione
tedesco, nel 1943. In minima parte autobiografico (nel senso di
solidarietà e comprensione nei confronti dei prigionieri politici
dell’epoca) in quanto lo stesso Bresson fu incarcerato per un certo
tempo.
Il protagonista del film, il tenente Fontaine, è interpretato
daFrançois Leterrier, attore non professionista che successivamente
sarebbe diventato regista e sceneggiatore, ma come attore partecipò
solo ad un altro film, in una piccola parte in “Stavinski” (Alain
Resnais, 1974, con Jean-Paul Belmondo).
Ottima la fotografia in b/n che, con il montaggio e la regia, rende
il film quasi un saggio complessivo di linguaggio filmico.
IMDb 8,2 RT 100% * Nomination Golden Globe e premio miglior regista
e Nomination Palma d'Oro a Cannes
213 “The River” ” (Jean Renoir, Fra/UK/India/USA, 1951) tit. it. "Il
fiume “ * con Patricia Walters, Nora Swinburne, Esmond Knight
Film generalmente molto apprezzato, che tuttavia ha anche raccolto
un buon numero di critiche. Tecnicamente ottimo è un vero e proprio
omaggio all'India e alla sua diversità culturale, ma proprio per
questo è stato tacciato di pressapochismo, rappresentando una
popolazione felice, povera ma serena, con i coloni inglesi gentili,
integrati, benevolenti e rispettosissimi degli autoctoni, basandosi
più sul folklore per come era più o meno conosciuto in Europa (visto
e giudicato con occhi europei, raccontato dai ricchi).
Troppo spesso tende ad essere quasi documentaristico, proponendo
feste, tradizioni, attività artigianali e industriali descritte
dalla voce fuori campo della protagonista che narra il suo periodo
di "coming of age" che quindi viene presentato come un unico, lungo
flashback. Buona parte della storia è abbastanza scontata e
prevedibile, sia in quanto agli amori (più che altro infatuazioni
giovanili) sia per ciò che riguarda le storie di contorno (p.e. il
bambino). Resta quindi solo una bella fotografia che sfrutta al
meglio le possibilità del Technicolor nelle riprese degli esterni
(villaggio, mercato e, ovviamente, fiume) e nel descrivere la vita
“spensierata” nelle magioni coloniali.
In conclusione è bello da vedere, ma chi ha avuto l’occasione e
l’accortezza di guardare i primi film di Satyajit Ray (tutti di
livello molto superiore benché in b’n, a cominciare dalla “trilogia
di Apu”) sa benissimo che la vita nell’India a metà del secolo
scorso era ben altra cosa.
IMDb 7,6 RT 87%
* 2 Nomination BAFTA,
premio internazionale e Nomination Leone d’Oro a Venezia
212 “Accident” ” (Joseph Losey, UK, 1967) tit. it.
“L’incidente” * con Dirk Bogarde, Stanley Baker, Jacqueline Sassard,
Michael York
Altra collaborazione di Losey con Harold Pinter (drammaturgo,
regista e attore teatrale, sceneggiatore, scrittore e poeta
britannico, Nobel per la letteratura nel 2005). Ancora una volta si
trattadi una storia sottile, nella quale i ruoli di prede e
predatori non sono mai del tutto chiari. Stavolta viene proposta
quasi tutta come un lungo flashback, ma c'è anche un seguito
all'incidente menzionato nel titolo, con un finale aperto a varie
interpretazioni.
Ritroviamo Dirk Bogarde (servitore/maggiordomo in “The Servant”),
stavolta professore di filosofia ad Oxford alle prese con un
complesso intreccio sentimentale. Devo dire che questo film, pur
essendo più che apprezzabile, mi ha convinto meno di quello guardato
appena prima, l’appena citato “The Servant”, in parte per la trama,
in parte per il cast nel suo complesso.
Questa volta la sceneggiatura di Pinter è un adattamento di un
romanzo di Nicholas Mosley.
Nomination Golden Globe e gran premio della giuria e Nomination
Palma d'Oro a Cannes
IMDb 7,1 RT 86%
211 “The servant” ” (Joseph Losey, UK, 1963) * con Dirk Bogarde,
Sarah Miles, Wendy Craig
Seconda sceneggiatura cinematografica di Pinter, subito dopo “The
Caretaker”, dello stesso anno (regia di Donner, con un ottimo trio
di protagonisti: Alan Bates, Donald Pleasence, Robert Shaw.
Da parte sua, Losey ha messo mirabilmente in scena il sottile gioco
psicologico nel quale i ruoli iniziali vengono completamente
sovvertiti, dirigendo un più che valido, seppur ridotto, cast nel
quale spicca Dirk Bogarde con al lato la giovane Sarah Miles, appena
al suo secondo film. Il regista americano (trasferitosi in UK dopo
essere stato accusato di attività sovversive, la tristemente nota
“caccia alle streghe” del maccartismo) cura maniacalmente quasi ogni
inquadratura e si è certamente sbizzarrito con originali punti di
ripresa delle scale e nelle composizioni attorno agli specchi.
Invito a
leggere questo interessante articolo che spiega le origini di questo
lavoro, ispirato da una situazione reale, trasformato in
racconto da Robin Maugham (nipote del ben più famoso Somerset) e
infine adattato a sceneggiatura da Pinter. L'originale era
certamente più osé e necessariamente è stato trasformato per il
cinema ... infatti negli anni '60 l'omosessualità era ancora un
reato.
IMDb 7,9 RT 69%
* 3 premi e 5 Nomination BAFTA
210 “Entre tinieblas” (Pedro Almodóvar, Spa, 1983) tit. it.
“L'indiscreto fascino del peccato” * con Cristina Sánchez Pascual,
Julieta Serrano, Marisa Paredes, Carmen Maura, Cecilia Roth, Chus
Lampreave
Film dei primi anni di Almodóvar, reputato “minore”, secondo me
sottovalutato. I meriti del regista manchego non risiedono tanto
nella regia quanto nella sceneggiatura, della quale è autore unico.
La storia è pressoché folle = geniale, con tante sorprese e
coincidenze fortuite, personaggi e situazioni che definire singolari
sarebbe estremamente riduttivo, conditi con tanti dettagli da
cogliere negli sfondi, nelle scritte, nei colori (con tanti soliti
rossi), fino ovviamente a Pupo, un enorme “tigrotto” giocherellone.
In “Entre tinieblas” ritroviamo tante delle muse di Almodóvar, che
molti avranno visto nei suoi film successivi più famosi.
L’ho trovato sagacemente divertente, estremamente caustico nei
confronti delle istituzioni religiose al di là dell’essere
ambientato in un convento ... molto particolare.
Piacevole commedia per spettatori attenti. Consigliato.
IMDb 6,6 RT 69%
209 “Cabeza de Vaca” (Nicolás Echevarría, Mex, 1991) * con Juan
Diego, Daniel Giménez Cacho, Roberto Sosa
Molto vagamente basato su veri avvenimenti del periodo de “la
Conquista” mi è sembrato una occasione persa. Il film segue le
peripezie di Alvar Núñez Cabeza de Vaca, riprendendo quanto da lui
stesso scritto dopo essere rimasto “in balia” degli indigeni dal
1528 al 1536, prima di riunirsi ad altri conquistadores. Vengono
proposti fatti abbastanza incredibili, probabilmente veramente
narrati da Alvar Núñez ma molto romanzati o inventati di sana pianta
come era abitudine di quelli che tornavano in patria dopo una
spedizione nelle Indie.
Le poco credibili scene nel deserto (incluso il tentativo di
costruzione di una cattedrale e il trasporto da parte degli indigeni
di una enorme croce bianca) non contribuiscono a dar corpo a quello
che doveva essere l’obiettivo primario di Echevarría (anche
sceneggiatore), vale a dire rivisitare la storia e riproporre
l’annoso quesito di chi fossero i buoni e chi i cattivi, chi i
religiosi e chi i selvaggi da convertire.
Parte delle riprese nei due set principali (uno nella foresta e uno
nel deserto) non sono male, similmente Juan Diego e Daniel Giménez
Cacho riescono a fornire prove abbastanza convincenti, ma non
eccelse, in ruoli non proprio facili.
IMDb 7,0 RT 75%
PS - Guillermo Del Toro collaborò al film in qualità di "special
makeup effects artist" ... sì, proprio quello che ha da poco vinto
un paio di Oscar
208 “Luponini” (El terror de Chicago) (José Bohr, Mex, 1935) * con
José Bohr, Anita Blanch, Carlos Villatoro
Spesso risulta interessante sapere qualcosa di registi e cineasti in
genere. Conoscere il cv di Bhor rientra in questa casistica. Figlio
di un veterinario tedesco responsabile dei cavalli del sultano
turco, trasferitosi in Argentina per questioni politiche, poi in
Cile, Messico e USA (Hollywood), è stato regista, attore,
sceneggiatore, compositore (autore di oltre 200 pezzi, soprattutto
tango, fra i quali il famoso "Farolito"). Quest’ultima sua attività
è quella nella quale è riuscito meglio, in tutte le altre oserei
dire che si è divertito creando comunque prodotti più che degni.
In particolare in questa gangster story, dallo stile più americano
che messicano, oltre ad essere regista e ad interpretare il
protagonista Luponini, è stato co-sceneggiatore, produttore e autore
delle musiche.
Sapendo tutto ciò e inquadrandolo nel suo periodo (metà degli anni
’30), è un film che merita una visione.
IMDb 6,9
206 “El desencanto” (Jaime Chávarri, Spa, 1976) trad. lett. “Il
disincanto” * con Felicidad Blanc, Juan Luis Panero, Leopoldo María
Panero
IMDb 8,2 RT 100%
207 “Tren de sombras” (José Luis Guerín, Spa, 1997) tit.int. “Train
of Shadows” * con Jessica Andrieu, Anne Céline Auche, Juliette
Gautier
IMDb 7,5 RT 90%
Questi 2 film/non film, tecnicamente buoni e interessanti, ma poco
convincenti e ancor meno coinvolgenti erano gli ultimi due che mi
mancavano per completare la visione di tutti i 50 titoli considerati
i migliori spagnoli fino al 2013 dai responsabili del sito
cinemaadhoc.info, si trovano rispettivamente al 43° e al 25° posto.
Il primo è apertamente classificato come documentario, ma consiste
quasi esclusivamente di interviste con Felicidad Blanc, vedova del
poeta Leopoldo Panero (1909-1962), e dei loro 3 figli. Si tratta
quindi di una costruzione essenziale e sui generis, con lunghi
racconti e ricordi dei rapporti con il defunto e solo in pochi casi
si assiste a una specie di dialogo quando un paio di loro non sono
d’accordo su qualche punto. Si sollevano certo argomenti
interessanti (politici, poetici, familiari, sociali, ...) ma alla
fine si giunge a conoscere più il carattere dei vivi che quello del
poeta scomparso.
Il secondo lo definirei un film sperimentale in quanto in circa
un’ora e mezza combina riprese originali mute degli anni ’20
(chiaramente in b/n) e riprese più moderne a colori con i sol rumori
d’ambiente. In particolare quelle a colori sono di ottimo livello
con sapienti scelte di luce e colori, dettagli degli arredamenti
della antica casa, giochi di specchi, fogliame, esterni in ambiente
naturale, e si combinano con fotogrammi rigati o macchiati,
riavvolgimenti, rallentamenti, fermo immagine, partizioni schermo,
il tutto con completa assenza di dialoghi.
Le notizie riportate in apertura forniscono un vago indizio sul
senso del film (se così si può chiamare) le tante tracce devono
essere individuate, comprese e assemblate a dovere per poter dare un
senso al tutto. Tuttavia, alla fine mi sembra che resti solo
esercizio di cinema (o semplicemente di fotografia e montaggio) per
quanto buono possa essere.
205 “El mundo sigue” (Fernando Fernán-Gómez, Spa, 1965) trad. lett.
“Il mondo continua” * con Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez,
Gemma Cuervo
La lista di film spagnoli alla quale accennavo nel precedente post
continua a dimostrarsi affidabile. Infatti, intercalati ai soliti
Viridiana, Bienvenido Mr. Marshall, El verdugo, Muerte de un
ciclista, Calle Mayor, ecc. si trovano titoli meno conosciuti che ai
suddetti hanno poco da invidiare. Questo è anche il caso di “El
mundo sigue” (diretto, interpretato e co-sceneggiato da Fernando
Fernán-Gómez), posizionato al 10° posto in detta classifica.
Si tratta di un dramma familiare veramente notevole non tanto per la
situazione, quanto per i personaggi, in particolar modo le due
sorelle che non perdono occasione per scagliarsi l’una contro
l’altra non solo verbalmente, ma anche fisicamente. Niente possono i
genitori né il fratello quasi invasato religioso, e tantomeno il
poco raccomandabile Faustino, marito di una delle due, interpretato
da Fernán-Gómez. L’escalation della situazione è gestita alla
perfezione, con brevi periodo di calma ai quali puntualmente seguono
duri scontri personali, quasi tutti contro tutti.
una lista dei migliori 50 film iberici, stilata nel 2013.
Da non perdere.
IMDb 7,9
202 “Surcos” (José Antonio Nieves Conde, Spa, 1950) trad. lett.
“Solchi” * con Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana * IMDb
7,8
203 “Los peces rojos” (José Antonio Nieves Conde, Spa, 1955) trad.
lett. “I pesci rossi” * con Arturo de Córdova, Emma Penella, Félix
Dafauce * IMDb 7,7
Dopo vari anni di attesa, sono riuscito ad ottenere questi due
ottimi film di José Antonio Nieves Conde, su file di buona qualità.
Si tratta dei suoi due film più famosi, apprezzati da (quasi) tutti,
tant’è che pur essendo stati girati nella Spagna franchista degli
anni ’50 sono presenti e ben quotati su vari siti internazionali a
cominciare da IMDb. Il regista ha sempre avuto un rapporto
conflittuale con il potere ma allo stesso tempo fu apprezzato anche
dai burocrati del Caudillo. Fu uno dei primi e più importanti
registi a portare il neorealismo italiano nella penisola iberica e
in entrambe i film si fa esplicita menzione di tale stile.
Certamente fu abile a rimanere nei limiti del provocatorio, senza
dover essere censurato.
In particolare “Surcos” non fu troppo ben visto dal regime in quanto
rappresentava una Madrid “assalita” da intere famiglie che venivano
dalla campagna con l’illusione di avere vita facile, soldi e lavoro
nella capitale, e invece trovavano miseria e una miriade di
imbroglioni e profittatori.
Il secondo è di tutt’altro genere, essendo un ottimo thriller che
vede il messicano Arturo de Córdova (attore poliedrico che si è
distinto in ruoli drammatici in cult come “El” di Buñuel (1953),
perfetto in commedie come “El esqueleto de la señora Morales”
(1960), in thriller, film d’azione, ecc) nei panni del misterioso
scrittore protagonista della storia creata da Carlos Blanco. Questi
si occupò anche della sceneggiatura che nel 2003 è stata poi
adattata per un remake dal titolo “Hotel Danubio” (diretto da
Antonio Giménez Rico con Santiago Ramos e Carmen Morales come
protagonisti) ... come quasi sempre accade molto inferiore
all’originale.
I tempi di questo mistery sono quasi perfetti, fra visto e non
visto, ascoltato, riportato senza riscontri, una persona scomparsa
in mare, indagini della polizia, fortuite coincidenze, ...
Al di là del poter contare su due buone sceneggiature, José Antonio
Nieves Conde dimostra di saper dirigere e in entrambe i casi il
risultato complessivo è garantito anche da un bel bianco e nero a
cast di livello.
Più che consigliati entrambi!
201 “Dallas Buyers Club” (Jean-Marc Vallée, USA, 2013) * con Matthew
McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto
Al contrario dell’ultimo film guardato (Silver Lining Playbook) mi
ero avvicinato a “Dallas Buyers Club” in modo molto più titubante ma
l’ho apprezzato molto di più. Al di là dei temi trattati, il regista
canadese Jean-Marc Vallée qui dà il meglio di sé e indubitabilmente
“Dallas Buyers Club” resta al momento il suo miglior lavoro. Dirige
alla perfezione attori non molto noti e c’è da credere che è grazie
alla sua guida che Matthew McConaughey, e Jared Leto siano riusciti
a fornire prove di gran livello; penso che buona parte dei loro due
Oscar sia dovuto alla regia, per la quale Vallée avrebbe meritato
almeno la Nomination.
Fra gli altri, c’è anche un quasi irriconoscibile Griffin Dunne
(protagonista del cult di Scorsese “After Hours” - “Fuori orario”,
1985 ... che fine aveva fatto?) nei panni di un dottore radiato
dall’albo negli States.
Certamente è un film duro, che si sviluppa in un ambiente al margine
della società “benpensante” (almeno di facciata), fra sesso, droga,
rodei, scommesse e alcool. Eppure i “peggiori” non sembrano essere
quelli che abusano in queste attività, bensì i rappresentanti delle
istituzioni, specialmente in campo medico, che per questioni
economiche e puro tornaconto non forniscono la dovuta assistenza a
quelli che ne avrebbero bisogno.
In questo scenario, il protagonista Ron Woodroof (il film è ispirato
alla sua vera storia) si erge a paladino dei diseredati, malati
terminali di AIDS, transgender e omosessuali, pur essendo un
inveterato omofobo.
Molto ben girato, con un ottimo montaggio e un apprezzabile commento
musicale che alterna lunghi momenti di silenzio assoluto a motivi
country e latini.
Assolutamente consigliato.
IMDb 8,0 RT 93%
3 Oscar (Matthew McConaughey protagonista, Jared Leto non
protagonista, makeup) + 3 Nomination (miglior film, montaggio e
sceneggiatura) |
.jpg)
.jpg)
